[신작 연극 리뷰] <더 빅 밀>

언제인지 모를 미국 어딘가의 레스토랑 저녁 식사 시간, 젊은 남녀 샘과 니콜이 처음 만난다. 수줍고 나름 진지한 샘과 하룻밤 상대를 찾고 있는 니콜, 여지없이 사랑에 빠진다. 시시콜콜, 좌충우돌, 우여곡절 끝에 연애하고 결혼하고 아이를 낳아 가정을 이룬다. 부모님 챙기랴 아이들 챙기랴, 서로를 챙기지 못하고 자신을 챙기지 못한다.

사소한 갈등이 쌓여 점점 커지고 샘의 외도를 눈치 챈 니콜은 이혼을 결심하는데, 샘의 아버지이자 니콜의 시아버지가 돌아가신다. 다시 뭉치는 또는 봉합되는 샘과 니콜, 아들 로비와 딸 메디가 어느새 훌쩍 커 버렸다. 그들도 하나둘 남자친구와 여자친구를 데려와 소개시켜 줄 나이가 된 것이다. 그렇게 당연한듯 연애하고 결혼하고 아이를 낳아 가정을 이룬다.

그런데, 느닷없이 로비의 아들이자 샘과 니콜의 첫 손주가 이르게 세상을 떠난다. 그리고 머지 않아 샘의 어머니이자 니콜의 시어머니가 돌아가시고 만다. 나중에는 샘과 니콜의 증손주가 태어나고 말이다. 희극과 비극을 오가는 가족, 누가 태어나고 누가 죽을 것인지.

90분에 풀어 낸, 어느 가족의 90년사

90년에 이르는 가족사를 90분만에 표현해 낸다는 발상이 참신하다. 그런데 완벽에 가깝게 표현해 냈으니 최고라는 칭호가 아깝지 않다. 그렇다, 연극 <더 빅 밀>은 내 짧지만 질적으로 풍성하다고 자부할 수 있는 연극 인생에서 최고였다. 한 인간이 아닌 '가족'이라는 생명체의 희로애락을 방대하고 풍성하고 명징하게 보여 줬다. 한계가 분명한 연극으로 보여 주는 데 성공했으니 대단하다 하겠다.

<더 빅 밀>은 미국의 극작가·각본가 댄 르프랑(Dan Lefranc)의 작품 <The Big Meal>을 원작으로 하는데, 자그마치 2014년에 국내에 소개되었다. 이화여대 통번역대학원 출신의 전문 번역가들로 구성된 모임인 이화희곡번역연구회가 주최한 '2014년 제2회 희곡번역낭독회'를 통해 양성애 번역가의 <식구>로 처음 알려진 것이다.

작품성을 인정받은 <식구>는 2017년 한국메세나 지원사업에 선정되어 국내 초연으로 큰 호응을 얻었고, 2년 뒤인 2019년에도 역시 한국메세나 지원사업에 선정되어 원작 제목 <더 빅 밀>로 재공연을 해 큰 호응을 얻었다. 다시 2년 뒤인 2021년에 우리를 찾아왔다.

헷갈리지 않고 어렵지도 않고 지루하지도 않다

연극 <더 빅 밀>은 가장 보편적인 내용을 흔히 볼 수 없는 형식으로 보여 줬다는 점에서 높은 점수를 줄 수 있다. 연극이라는 게 그렇듯 한정된 공간과 소품과 등장인물로 한없이 방대해질 수 있는 내용을 커버해야 하는데, 이 작품은 더 극대화시켜 공간을 식사 자리로만 한정시켰고 등장인물도 모두 1인 다역을 소화했다. 반면 내용의 배경은 90여 년에 다다른다.

연극을 보기도 전부터, 헷갈릴 만한 요소가 아주 다분하거니와 실제 시간과 내용상 시간이 현저하게 차이 나기에 속도가 너무 빨라 이해하기 쉽지 않을지도 모른다는 생각을 할 수밖에 없다. 그런데, 연극이 시작되고 나서 순식간에 90여 분이 흐르며 단 한순간도 헷갈리지 않았고 이해하기 어려운 부분도 전혀 없었다.

씬을 짤막짤막하게 구분해 지루하지 않게 하면서도 시간 흐름의 속도를 맞췄고, 등장인물들이 1인 다역을 보여 줄 땐 내용이 그에 따라 시의적절하게 맞춰졌으며, 관객도 함께 웃다가 화내고 슬프다가도 즐겁게 관람할 수 있었다. 한 가지, 내용에서 조금 아쉬운 부분이라고 하면 (어쩔 수 없었을 테지만) 샘과 니콜의 만남에서 시작했지만 니콜 아닌 샘의 부모님만 주로 나온다는 점이다.

희로애락과 인생무상

연극의 내용을 '어느 가족의 희로애락사'라고 말할 수 있다고 한다면, 막이 내린 후 가장 먼저 그리고 가장 오래 머릿속에 남는 건 '인생무상'이라고 할 수 있겠다. 하여, 저도 모르게 한숨이 계속 쉬어 지는데 사는 게 참으로 덧없다는 깨달음에서 오는 한숨일 테다. '어떻게 살아야 하는가' 보다 먼저 '왜 살아야 하는가'부터 정립해야 하지 않을까 하는 생각이 불쑥 들어온다.

이 연극이 대단하다고 생각되는 지점이 바로 거기에 있다. 90년의 시간을 90분으로 보여 주며, 밥상머리의 가족 이야기에서 '인생무상'이라는 인간 생의 본연에 가닿게 하니 말이다. 그런가 하면 그걸 잘 알면서도 살아가는 게 인간이니, 참으로 대단하지 않은가 싶다.

지금 당장 대학로로 가서 <더 빅 밀>을 한 번 보시라. 내 인생, 우리 가족 인생, 그리고 인간 생이 거기에 오롯이 담겨 있다. 이보다 알찬 연극 찾기도 힘들 것이다. 그런데 숨 돌릴 틈도 없이 재밌다.

[넷플릭스 오리지널 리뷰] <슈마허(SCHUMACHER)>

2013년 12월 29일, 한해를 마무리하는 시점에 충격적인 소식이 전해졌다. 'F1의 황제' 미하엘 슈마허가 은퇴 후 가족들과 스위스에서 지내며 휴가 차 프랑스령 알프스로 스키를 타러 갔는데, 사고를 당해 혼수 상태에 빠졌다는 보도였다. 헬맷을 쓴 채로 바위에 부딪혔고, 검사 결과 두개골 외상으로 인한 뇌출혈이었으며, 수술을 했지만 깨어나지 못했던 것이다. 6개월여 후 기적적으로 깨어났는데, 7년이 지난 지금까지 크나큰 진전을 보이진 못한 채 간간이 소식만 들려올 뿐이다. 가족과 관계자들이 그를 철저히 지켜 주고 있다고 한다. 

스포츠에서 '황제'는 어렵지 않게 찾아 볼 수 있다. 기억나는 이들만 나열해도 수두룩하다. 축구 황제 펠레, 야구 황제 베이브 루스, 복싱 황제 무하마드 알리, 농구 황제 마이클 조던, 골프 황제 타이거 우즈, 테니스 황제 로저 페더러, LOL 황제 페이커(이상혁), 수영 황제 마이클 펠프스, 그리고 F1 황제 미하엘 슈마허까지. 이중 현재진행형인 이도 있을 테고, 한참 전에 황제의 자리에서 내려온 이도 있을 테며, 더 이상 이 세상에 없는 이도 있을 테다. 미하엘 슈마허의 경우에만 드물게 아픈 황제라고 할 수 있겠다. 

넷플릭스는 지난 2019년 초 <F1, 본능의 질주>를 선보인 후 3년간 꾸준히 바로 전 해에 치러진 포뮬러 1 월드 챔피언십의 거의 모든 것을 들여다보는 작업을 훌륭하게 해내고 있다. 그들이 F1의 황제 미하엘 슈마허 콘텐츠를 제작하지 않을 이유가 없었는데, 1969년생인 그의 50세 생일에 맞춰 제작하려 했으나 난항을 겪다가 다큐멘터리 <슈마허>를 2021년 9월에 공개할 수 있었다. 미하엘 슈마허의 가족들, 아빠와 아내와 딸과 아들의 전폭적인 지원으로 순조롭게 제작될 수 있었다고 한다. 

미하엘 슈마허, 위대하기까지

F1과 모터스포츠계 그리고 스포츠계조차 넘어 전 세계에 수많은 팬이 사랑해 마지 않는 진정한 '올타임 레전드' 미하엘 슈마허, 그가 어떤 종목의 선수인지 아니 누군지조차 모르고 그의 경기를 단 한 번도 보지 못했어도 그의 이름 정도는 누구나 한 번 정도는 들어 봤음직하다. F1 최고 전성기 중 한때였던 2000년대 초반 5년 연속 챔피언을 달성했기 때문이다. 2021 시즌이 한창인 지금 이 시점까지 유일무이 전무후무한 대기록이다. 

슈마허는, 위대한 스포츠 선수들이 거의 모두 그러듯 아주 어릴 때부터 운전대를 잡았다. 가난하지만 아들이 뭘 좋아하고 잘하는지에 대해 열의를 보였던 아버지 덕분에 아주 일찍 자신이 뭘 좋아하고 또 잘하는지 알아차린 것이다. 그는 이후로 고카트 챔피언, 포뮬러 하위리그 챔피언, 포뮬러 3 챔피언까지 쾌속질주하며 포뮬러 1에 안착한다. 비록 운 좋게, 주전 드라이버가 자리를 비우며 급히 그 자리를 대신하며 데뷔하지만 좋은 모습을 보여 베네통으로 이적한다. 

그야말로 포뮬러 1에서 본격적으로 실력을 만개할 때가 온 것이다. 불과 데뷔 2년 차인 1992년에 3위 그리고 이듬해엔 4위를 기록하며 당대 최고였던 아일톤 세나와 라이벌 구도를 형성한다. 그리고, 1994년과 1995년엔 대망의 챔피언을 가져간다. 하지만, 1994년에 있었던 스포츠 역사상 최악의 사고 중 하나로 남을 아일톤 세나의 사고로 인한 사망이 그를 크게 흔들기도 했다. 그뿐만 아니라 당대 거의 모든 F1 드라이버가 세나를 우상으로 여겼거니와, 슈마허의 경우 지근거리에서 세나가 사고를 일으켰기 때문이었다. 

미하엘 슈마허의 사생활

수많은 업적으로 수없이 많은 정보가 드러난 슈마허지만, 정작 그에 대해 자세히는커녕 조금도 알지 못하는 게 사실이다. <슈마허>가 전하고자 하는 바가 거기에 있지 않을까 싶은데, 가족들과 관계자들이 총출동하다시피 해 그에 대해 전하고자 하니 말이다. 그는 레이스할 때면 물불 가리지 않는 냉혈한에 가까웠지만, 사생활에 있어선 한없이 다정하고 에너지틱하며 잘 챙기는 사람이었다고 한다. 

관계자들이 입을 모아 그를 두고, 절대 잘못을 사과하지 않고 실수를 인정하지 않는 사람이라고 한다. 레이스에 있어서 슈마허는 '절대적'이라는 말이 정확히 부합할 만큼 완벽을 추구했는데, 승부에 집착해 경쟁자들이 눈에 들어오지 않았고 이기기 위해 최선의 한계를 뛰어 넘는 노력을 마다하지 않았다. '승리에 미친놈'이라고 해도 과언이 아니었던 것이다. 

레이스 밖에선 전혀 다른 사람으로 변모한다. 아니, 그 또한 그의 모습이니 변모라는 단어는 적절하지 않을 테다. 스텝들한테 누구보다 친절하고 다정하니 모든 이가 좋아했고, 세상 누구보다 가족들을 소중히 했기에 모든 공을 아내에게 돌리는 건 당연했다. 사교 파티도 엄청 좋아했다는데, 삶의 모든 면에서 최선을 다하고 열심히 하는 사람이 아니었나 싶다. 

현역 시절 슈퍼스타였던 그의 사생활이 철저히 가려져 있다시피 한 건 모두 순전히 그의 노력 덕분이었는데, 특히 가족들을 철저히 지키려 했다고 한다. 그의 아내와 딸과 아들이 진심으로 그를 위하고 그의 쾌차를 위해 모든 걸 뒤로 할 수 있다는 걸 너무나도 잘 느낄 수 있었다. 비록, <슈마허>에 지금의 슈마허는 모습을 드러 내지 못했지만 전혀 아쉽거나 불만이 생기지 않는 이유다. 

F1의 황제, 미하엘 슈마허

슈마허는 베네통에서 2년 연속 챔피언 트로피를 들어올린 후 당대 최강 맥라렌과 윌리엄스 등 여러 팀에서 이적 제의를 받는다. 누가 봐도 맥라렌으로 가야 하는 상황, 하지만 그는 1950년 이래 오랫동안 영광의 시절을 보냈지만 1980년대 들어선 후 절망의 시절을 보내고 있는 페라리를 택한다. 페라리의 원탑으로, 페라리에게 영광의 시절을 다시 돌려 줄 것을 목표이자 사명으로 삼은 것이다.

하지만 결코 쉽지 않았다. 페라리의 차 상태가 최악이었던 것. 슈마허는 실력을 최대치로 끌어올리면서 마음을 다잡았고, 정비공들과 함께 매일같이 늦게까지 남아 고민하고 연구하는 등 차에 대한 열의를 이어나가면서 몇 년을 보낸다. 꾸준히 5위 안에 드는 준수한 성적을 기록하지만, 모두가 원하는 바는 아니었다. 그렇게 모두가 지치고 의심까지 들기 시작한 2000년 시즌, 슈마허에게 신이 강림한다. 이후의 성적을 보면, 그렇게밖에 설명할 도리가 없다. 

2000년부터 2004년까지 내리 5년을 챔피언 자리에서 내려오지 않는다. 총 7회 우승으로 역대 1위, 그리고 사이사이 좀 더 세세한 기록들도 아울러 역대 1위를 갈아치운다. 단순히 역대 최고의 기록을 세웠다고 그에게 '황제'의 칭호를 부여하진 않을 테다. 경기 내외적으로 완벽한 모습을 보였기에 가능한 칭호였다. 가령, 그의 기록들은 '검은 황제' 루이스 해밀턴에 의해 대부분 깨졌고 앞으로도 계속 깨질 가능성이 농후하다. 하지만, 오랜 시간이 지나도 F1의 황제가 누군지 물어보면 대부분의 사람이 미하엘 슈마허를 논할 것이다. 

지금 상태로는 슈마허가 다시 서킷을 달리는 건 희망사항에 불과할지 모른다. 하지만, 슈마허가 해냈던 일들을 생각해 보면 불가능은 없고 기적은 일어날 수 있지 않을까 싶다. 기적을 일으켜 본 사람에게 또다시 기적이 찾아오지 말라는 법이 있는가.

[신작 영화 리뷰] <코다>

지난 1월 말에서 2월 초에 언제나처럼 미국 유타주 파크시티에서 열렸던 제37회 선댄스 영화제에서 소소하지만 역대급 사건이 있었다. 작년 <미나리>가 선댄스 영화제에서 심사위원 대상과 관객상을 수상한 전후로 수많은 영화제에서 작품상, 각본상, 여우조연상 등을 석권하며 이름을 날렸는데, 올해에는 <코다>가 선댄스 영화제 최초로 심사위원 대상, 관객상, 감독상, 앙상블상까지 4관왕을 차지하며 날아오른 것이다. 벌써부터 내년 아카데미 주요 부문 노미네이트와 수상이 점쳐지고 있다. 

각본과 연출을 맡은 션 헤이더 감독은 넷플릭스 초창기 간판 드라마 시리즈 중 하나인 <오렌지 이즈 더 뉴 블랙> 작가진으로 활약한 바 있고 역시 넷플릭스 오리지널 영화 <탈룰라>를 연출한 바 있다. 단편 영화 <유기견 입양기>로 호평을 받은 적도 있는 바, 그녀의 행보에 일괄적으로 '소외'가 있었다. 이번 영화 <코다>도 연장선상에 있다. 

'코다'라는 제목이 낯설다. 영어 문장의 줄임말이라고 하는데, '농인 부모를 둔 청인 자녀(Child Of Deaf Adult)'에서 앞글자만 땄다. 다양성에 점차 눈을 떠 가는 영화계에서도 장애에 관한 영화 콘텐츠는 극소수이다. 우리나라도 열악하기 짝이 없는데, 코다와 관련된 영화를 찾아 보면 <반짝이는 박수 소리> <나는 보리> 정도가 눈에 띈다. 한편, <코다>는 프랑스 영화 <미라클 벨리에>를 리메이크했고 애플TV+가 일찌감치 2500만 달러라는 놀라운 거금을 들여 판권을 구입해 해외에선 애플TV+로 공개되었다. 

음악을 시작한, 농인 가족의 청인 아이

어업으로 생계를 꾸려 가는 루비네 가족, 그런데 17살 막내 루비만 청인이고 아빠와 엄마와 오빠 모두 농인이다. 그러니 직접 잡아온 물고기들을 직접 팔기가 힘들고, 조합에 정해진 할당액을 주며 헐값으로 팔아넘겨야 했다. 듣지도 말하지도 못하는 그들이기에, 조금이라도 더 떼어 먹기 일쑤였다. 루비가 없이는 제대로 뭐 하나 꾸려 나가기가 여의치 않았던 것이다. 

매일 새벽 3시에 일어나 아빠와 오빠를 깨워 함께 바다에 나가야 했던 루비는 학교 생활이 처참할 수밖에 없었다. 그녀는 합창부에 들어가기로 한다. 바다에 나가선 매일같이 노래를 부른 그녀다. 하지만 자기가 잘 부르는지 어떤지는 전혀 알 수가 없었다. 합창부 선생님 베르나르도 비얄로보스는 빠르게 그녀의 재능을 캐치하곤 또 다른 기대주 마일스와 함께 가을 콘서트 듀엣 연습을 시킨다. 그러며 루비가 자기의 재능을 깨닫게 하고는 방과후와 주말에 개인교습까지 시켜 준다. 버클리 입학을 목표로 말이다. 

루비가 마일스와 함께 듀엣 연습을 시작하고 따로 특훈을 시작한 지 얼마 안 돼 루비네 가족은 큰일을 저지른다. 조합에서 탈퇴해 직접 물고기를 팔기로 선언하고 어부들에게 공표하기를 자기네한테 오면 2배를 처 주기로 한 것이다. 이미 엎질러진 물, 루비에게 중간 통역을 맡기며 가족의 힘으로 힘껏 밀어붙인다. 의외로 사업은 잘 되고, 루비도 루비대로 열심히 한다. 하지만, 두 마리 토끼를 잡기가 쉽지 않으니 루비는 가족 사업도 나름대로 힘들고 연습과 특훈도 나름대로 힘들다. 결국 둘 중 하나를 포기해야 하는 상황에 이르는데...

한 여름의 성장담, 그리고 쉽지 않은 문제

영화 <코다>의 메인 포스터가 크게 두 개를 소개하고 있다. 하나는 루비와 마일스가 다이빙하려는 자세를 취하고 있는데, 청명한 여름의 청춘 어린 한때를 보여 주며 영화가 품고 있는 싱그러움을 표현해 내고자 한 듯하다. 다른 하나는 루비네 가족이 함께 죽 앉아 있는데, 'CODA'를 문장으로 풀어놓고는 루비만 정면을 보고 다른 세 가족은 서로를 쳐다보고 있다. 함께 있지만 다른 세계를 살 수밖에 없는 이 가족의 생태를 의미심장하게 표현한 듯하다. 

이 영화의 핵심 둘을 따로 또 같이 내 보이고자 한 전략이지 않나 싶다. 외적 모양새로는, 첫 사랑과 첫 느낌이 풋풋하게 담긴 17살 그때 그 여름의 성장담을 담았다. 항구 도시, 청명한 하늘, 숲속에 있는 듯한 집 등 자연과 벗 하는 듯한 배경에서 농인 가족을 둔 청인 아이가 노래로 세상을 향해 한걸음씩 나아가는 이야기 말이다.  비단 이런 경우가 아니더라도, 누구나 빠르던 느리던 독립해야 하는 시기가 온다. 영화가 전하는 공감 포인트가 특수한 상황 아닌 모든 이에게 보편적으로 통용되니, 세상은 모두 통한다는 진리가 새삼 다가온다. 

내적 모양새로는, 제목 그대로 농인 가족을 둔 청인 아이의 문제를 역설하고 있다. 루비는 가족 공동체라는 이 소우주에서 철저히 별개로 지내고 있다. 수어로 표현하기에 지내는 데 큰 어려움은 없다지만, 시시때때로 농인과 청인의 다른 점들이 서로가 서로를 찌를 수밖에 없는 것이다. 영화는 그 지점을 '음악'으로 제시했다. 루비는 음악을 듣고 노래를 부르고 싶지만, 가족들은 알 수도 없고 이해할 수도 없으니 그녀를 놓아 주기가 힘들다. 그럼에도 서로를 진정으로 위하는 가족만의 정이 루비를 세상으로 보낼 거라 믿는다. 

오감을 넘어선 육감에 대하여

이 영화의 또 다른 정체성은 '뮤직 드라마'이다. <라라랜드>의 음악을 탄생시킨 조합인 마리우스 드 브리스 음악 감독과 닉 백스터 프로듀서가 다시 뭉쳐 음악 영화다운 퍼포먼스를 뽐냈는데, 극중 루비가 부르는 노래는 마일스와의 풋풋한 로맨스와 가족과의 끈끈한 유대감까지 한 곡에 담겨 있다. 새로운 노래를 만든 게 아니라 기존의 노래를 편곡한 것으로 보이는데, 대단한 집념이 엿보이는 대목이다.

세 농인 배우가 연기한 루비네 세 가족, 영화는 그 무음의 세계를 꽤 많이 시간 할애해 보여 준다. 그러며, 한편에서는 루비의 합창부를 통해 풍부한 음의 세계를 한껏 보여 주기도 한다. 두 세계의 걸쳐 있으면서도 두 세계의 한가운데에서 당당하게 자리 잡은 루비는, 이 아이러니의 기막힌 조화를 상징하는 것이다. 전혀 다른 두 세계도 하나가 될 수 있다는 걸 그녀는 몸소 보여 준다. 비록 그녀의 적은 한쪽 세계에서 다른 한쪽 세계로 옮겨 간다고 해도 말이다. 

영화는 자연 친화적인 배경에서 무음의 세계와 풍부한 음의 세계를 오가며 때론 풋풋하게 때론 격렬하게 사랑하고 또 먹고 마신다. 즉, 오감이 풍부한 영화라는 것이다. 의도하지 않은 듯 자연스레 보여지는 연출이 탁월하다. 그러며, 루비가 성장해 가며 오감 이상의 그 무엇을 선보이는데 '육감'이라고 통칭하는 그것은 감동을 선사한다. 루비의 아빠가 소리를 듣진 못하지만 느끼고자 루비가 노래를 부를 때 성대에 두 손을 가져가 목울림을 전달받고자 하는데, 그야말로 오감 이상의 또는 이외의 그 어떤 것이겠다. 

[신작 영화 리뷰] <좋은 사람>

남자 고등학교에서 교사로 일하는 경석, 담임을 맡은 반에서 지갑 도난 사건이 발생한다. CCTV를 한 번 돌려 보고 세익이 의심 갈 만한 행동을 했다는 걸 알지만, 별다른 조치를 취하지 않고 아이들 양심에 기대해 보기로 한다. 하지만, 아무도 자백하지 않는다. 비밀을 지켜 주고 불이익도 없을 거라고 공표까지 했지만 말이다. 결국 지갑을 도난당한 광렬이한테 돈을 주며 사건을 봉합하려 한다. 그때 전 부인 지현한테서 연락이 와 딸아이 윤희를 이틀만 봐 달라고 하고, 같은 반 학생이 찾아와 세익이가 의심된다고 말한다. 

경석은 세익이를 불러 사건 당시 교실에 들어가서 뭘 했는지 자세하게 쓰라고 하고는 윤희를 데리러 간다. 그런데 윤희는 경석과 같이 있기 싫은 듯 계속 엄마만 찾는다. 윤희를 차에 혼자 있게 두고는 세익이를 보러 가는 경석, 하지만 세익이는 아무런 말도 쓰지 않았고 돌아와 보니 윤희는 차 안에 없다. 찾고 또 찾았지만 없어서 경찰서에 찾아가 봤더니 교통사고를 당했다는 소식이 들린다. 그야말로 청천벽력, 경석과 지현은 뒷수습을 하려 한다. 

그들 앞에 나타난 트럭기사, 그는 본인이 윤희를 치었긴 하지만 그 직접적인 이유로 윤희와 함께 있던 한 청소년 학생을 지목한다. 그 학생이 윤희를 차도로 밀어서 칠 수밖에 없었다는 것이었다. 그런데, 사고 장소에는 CCTV가 없고 조금 떨어진 곳에 CCTV가 있는데 사고가 일어나기 얼마전에 세익이 길 잃어버린 윤희를 만나 같이 가는 모습이 잡혔다. 정황상 세익을 향한 의심을 버릴 수 없으나, 경석은 확실하지 않으니 섣불리 판단해선 안 된다는 생각을 저버리지 않는다. 점점 미궁으로 빠지는 사고의 진실은 무엇일까. 

'좋은 사람'에 대하여

빅터 프랭클의 <죽음의 수용소에서>에 "세상에는 두 가지 부류의 사람이 있으며, 고매한 인격을 가진 부류와 미천한 인격을 가진 부류로 나누어진다는 사실을 배울 수 있었다."라는 대목이 있다. 극한을 넘는 상황에 처한 사람의 어쩔 수 없는 단편적 시선이자 의견일 텐데, 과연 실제로도 그럴까? 

'한국 영화 사관학교'라 불리는 한국영화아카데미 출신 정욱 감독의 장편 데뷔작 <좋은 사람>은 사람을 '좋은 사람' '나쁜 사람'의 이분법적으로 바라보는 세태 그리고 좋은 사람은 좋은 사람이어야 한다는 단편적 프레임에 소소한 경종을 울리려 한다. 사람은 결코 단편적이지도 평면적이지도 않다. 입체적이고 다층적이다. 아니, 그래야만 한다. 

영화는 초반 경석의 한마디로 캐릭터가 지향하는 바를 보여 주며 일찍이 주제로 돌진한다. "사람들은 잘못하고 실수하고 살아. 근데 중요한 건, 자기가 잘못한 거 인정하고 되돌리는 거야. 그 용기만 있으면 몇 번을 잘못하고 실수해도 좋은 사람이 될 수 있어." 좋은 사람이란 게 뭔지에 관한 가장 올바른 정의라고 할 수 있겠지만, 영화를 보다 보면 그 또한 과연 그런지 자문할 수밖에 없다. 

'좋은 교사'이지만 '좋은 아빠'이지 못한

초중반까지 학교에서의 지갑 도난 사건에 대처하는 경석의 자세는 하염없이 '좋은 교사'로 수렴한다. 확실할 때까지 그 누구도 의심하지 않으려 하며 그 누구의 말도 믿으려 한다. 균형 잡힌 신념, 학생들을 스스럼 없이 대하는 태도에 신망이 간다. 그라면 충분히 '좋은 사람'일 것 같다. 하지만, 가족에 관해서라면 그렇지 않은 것 같다. 아니, 정반대인 듯한 인상을 풍기기까지 한다. 

전 부인 지현과의 전화 통화에서 위화감을 느끼기 힘들었다. 하지만, 아이 윤희 얘기가 나오자 당황한다. 다음날까지만 봐 달라고 했을 뿐인데 준비가 덜 되었다며 난감해한다. 그런가 하면, 아이도 아빠를 보고 싶어 하지 않는다. 이혼 후라도 부모가 자식을 만남에 있어 난감해하고 아이가 부모를 보고 싶어 하지 않는 게 흔한 일은 아니니, 뭔가 큰일이 있었던 게 분명하다. 경석이 집 밖에서와는 달리 집 안에서는 결코 '좋은 남편이자 아빠'이지 못했다는 걸 암시한다. 

영화는 단순히 '밖에서는 좋은 사람, 안에서는 나쁜 사람'이라는 도식을 영화의 주제이자 구성으로 끌어오지 않았다. '좋은 사람'이라는 개념 자체를 뒤집어 보고 다시 생각하게 하는 데까지 나아간다. 경석은 실수하고 잘못해도 인정하고 되돌리면 좋은 사람이 될 수 있다는 정의를 알면서도 정작 자신은 그렇게 하지 못한다. 그는 나쁜 사람일까? 그런가 하면, 세익은 실수하고 잘못하지만 인정하고 되돌리려고 노력한다. 그는 좋은 사람일까? 그렇다면, 좋은 사람과 나쁜 사람은 누가 결정하는가? 누가 누구한테 확신할 수 있는가?

세계관을 흔들려는 의도의 질문

영화는 '좋은 사람'이라는 명제와 정의에 대한 의심과 혼란이 가중되는 만큼 미궁으로 빨려 들어가는 느낌이 든다. 가면 갈수록 두 사건사고의 진실이 무엇인지 도통 알 수가 없어지는 것이다. 지갑 도난 사건과 윤희 교통사고의 직간접적 관련자인 경석은, 세익을 향한 어쩔 수 없는 또는 의식적인 의심을 거두지 못한 채 학교에서는 아이들과 트럭기사에게 휘둘린다.

중심에서 균형을 잘 잡고 있을 줄 알았던 경석이 흔들리며 영화를 보는 이도 같이 흔들리니, 보는 이에게 끊임없이 질문을 던지며 절대적으로 믿고 있는 세계관을 흔들려는 데 목적이 있는 영화의 의도가 정확히 먹혀 들어갔다는 생각이 든다. 이 영화가 하려던 것과 전하려던 것은 여기까지다. 단단하게 굳어진 틀을 흔들어 보는 것 말이다. 재정리하고 재배열하고 재정립하는 건 각자의 몫이겠다. 

우리네 일상에서 마주했었고 마주할 수 있는 학교와 가족이 하염없이 무서울 수 있는 별것 아닌 듯한 스릴러의 배경이라는 게 섬짓하게 다가온다. 비록 작디작은 독립영화이자 젊은 감독의 데뷔작이지만 품고 있는 질문의 용량은 너무나도 방대하고 깊다. 그럼에도 빈틈 없이 촘촘한 연출과 연기가 대단하다. '웰메이드'라는 수식어를 붙이기에 손색이 없다. 

[신작 영화] <흩어진 밤>

아무런 설명도 없이 들이닥친 사람들, 열 살 소녀 수민은 어리둥절하게 지켜만 볼 뿐이다. 한 달만에 집에 온 아빠가 그들을 상대했는데, 반응이 미직쩌근했다. 집이 쉽게 팔릴 것 같진 않다. 수민에겐 네 살 위의 오빠 진호가 있다. 그리고 진호가 닮고자 하는 똑부러지고 능력 있는 엄마도 있다. 오랜만에 한 집에 모였지만, 분위기는 어색하고 집은 팔려야 하는 상황이다. 

아빠 승원과 엄마 윤희는 아이들에게 조심스럽게 말을 건넨다. 곧 따로 살게 될지도 모른다고 말이다. 아이들은 따로 산다는 현상은 바로 알아차리고 받아들였지만, 따로 산다는 현상의 본질은 알아차리기 힘들다. 아니, 이해할 수 없어 보인다. 도대체 왜 따로 살아야 하는 걸까? 같이 살면 안 되는 걸까? 엄마 아빠는 서로 친하다고, 앞으로 더 친할 거라고 했는데.

수민과 진호는 아빠 엄마의 말을 기반으로 추리해 본다. 넷이서 함께 살진 못한다고 했으니, 누가 누구랑 살게 될까? 엄마랑 아빠 중에서 선택하는 것도 싫고 수민으로선 진호와 진호로선 수민과 떨어져 사는 것도 싫다. 답이 없다, 정답도 해답도 찾을 수 없다. '싫다' 정도에서 그치지 않는, 점점 '공포'에 가닿는 미래에의 불안이 다가오는 것 같다. 

'가족' 이야기의 다양성

가족의 다양성은 지금 이 시대와 이후의 시대를 규정하고 상징하고 선도하고 대표하는 개념 중 하나다. 전통적 가족 형태와 거리가 먼, 전혀 색다른 가족도 가족에 포함되는 또는 포함되어야 하는 시대이다. 하여, 결혼 후 이혼하는 게 '죽을 죄'를 짓는 것처럼 터부시되었던 예전과 달리 이젠 지극히 개인적이고 자유로우며 독립적이고 선택적인 영역인 것이다. 

영화 <흩어진 밤>은 이 영역에서 간과되기 아주 쉬운 측면을 들여다보고자 한다. 아주 자세히, 으레 당사자로 보이는 어른들이 아닌 아이들의 시선으로, 자못 비극적이고 처연하기까지 한 분위기로. 선행되어야 할 건 단연 연기일 텐데, 어른들도 어른들이지만 두 아이들 수민과 진호에게 시선이 쏠린다.

이지형, 김솔 공동감독의 단국대학교 영화콘텐츠 전문대학원 졸업 작품인 <흩어진 밤>은 2019년 제20회 전주국제영화제에서 큰일을 냈다. '한국경쟁' 부문에서 대상을 차지한 것이다. 경쟁 작품들이 <이장> <욕창> <이타미 준의 바다> <판소리 복서> <파도를 걷는 소년> <굿바이 썸머> 등이었는데, 모두 늦어도 작년에 개봉을 완료했는데 공교롭게도 대상 작품만 1년 늦게 개봉했다. 그리고, 수민 역으로 분한 문승아 배우가 배우상을 차지하는 쾌거를 거뒀다. 연출과 연기의 조화가 완벽했으니 당연한 결과가 아닌가 생각해 본다. 

이혼 중 '아이들'의 심정이란

제93회 아카데미 시상식에서 안소니 홉킨스에게 남우주연상을 안긴 영화 <더 파더>, 치매를 다룬 여타 영화들이 가족들 서사가 주를 이뤘던 것에 반해 이 영화는 치매 환자 본인을 1인칭 시점으로 들여다봤다. 당연한 시선이어야 하는데 모두가 간과했던 게 아닐까 싶다. <흩어진 밤>도 비슷한다. 이혼을 다룬 여타 영화들이 어른들 서사가 주를 이뤘던 것에 반해 이 영화는 아이들을 주로 카메라에 담았다. 하여, <더 파더>가 안소니 홉킨스의 연기에 절대적으로 기댈 수밖에 없었던 것처럼 <흩어진 밤>은 문승아의 연기에 절대적으로 기댈 수밖에 없었다. 두 작품 다, 두 배우 다 연기를 기대 이상으로 해냈다.

아이들의 심리 상태는 어떨까. 사실, 열 살이나 열네 살 나이는 세상 돌아가는 이치를 어느 정도 아니 거의 다 깨우칠 충분한 나이다. 엄마 아빠가 아이들을 데려다놓고 어렵사리 말을 꺼내며 이리저리 우물쭈물할 때 아이들이 '왜 어렵게 설명하려고 해, 엄마랑 아빠랑 따로 떨어져 살게 될 수도 있다고 말하려는 거 아냐?'라고 외려 정리하듯 말하는 걸 보면 알 수 있다. 아이들이 어려워하는 건, 현상이 아닌 본질이다. '왜 따로 떨어져 살아야 해?' '왜 결혼했어?' '우리(아이들) 둘은 어떻게 해?' '우리 의견은 안 물어 봐?'

아빠 엄마와 함께 넷이서는 절대 살 수 없다는 사실조차 받아들일 수 없는 상황에서, 아빠 엄마 둘 중 한 명만을 무조건 선택해야 하고 오빠 또는 여동생과는 함께 살지 못 살지 알지 못하는 사실을 어떻게 받아들이고 이해하고 넘어 가야 할까. 하기 쉬운 결정은 어른들이 해 버리고 하기 어려운 결정만 아이들이 짊어져야 하는 것 같다는 말이다. 그게 이혼이라는 현실의 감춰진 비극이자 진실이다. 

흩어지지도 헤어지지도 않길

이 영화가 이혼이라는 현상을 비난하기는커녕 비판하려는 요지는 전혀 없는 듯하다. 필자 또한 마찬가지다. 당사자들끼리 또 이해관계자들끼리 원만한 합의가 전제된다면, 어느 누가 뭐라고 할 수 있겠는가. 만나고 헤어지고, 헤어지고 만나는 건 일상다반사 아닌가. 그런데, 당사자가 남편과 아내만이 아니라 아이들까지라면 이야기는 완전히 달라진다. 헤어지길 결정하는 단계에서부터 아이들과 함께해야 하는 게 아닌가 싶은 것이다. 그것도 아이들이 열 살, 열네 살의 나이로 자아는 물론 세상을 인지할 수 있는 나이라면 더더욱 말이다. 

하여, <흩어진 밤>이 모든 이혼 과정을 대변하진 못한다. 반면, 특정한 이혼 과정은 완전하게 대변한다고 할 수 있다. 영리한 기획의 승리라고 해도 과언이 아니다. 이 영화를 보고 이혼에 대해 생각을 달리하게 되진 않았지만 특정한 이혼 과정에서 반드시 생각해야 하는 게 있을 거라는 생각을 하게 된다. 나아가, 이혼뿐만 아니라 세상의 모든 것이 각자 나름의 상대적인 의미를 지니고 그것들을 바라보는 나름의 시선이 필요하다는 걸 깨닫게 된다. 절대적인 건 절대적으로 없다. 

아이들이 상처 받지 않았으면 좋겠다는 단순한 바람과 함께 충분히 상처 받고 빨리 아물었으면 좋겠다는 복합적인 바람도 함께하게 된다. 적어도 영화 속 수민과 진호는 충분히 건강해 보이기 때문이다. 앞에선 우물쭈물하고 뒤에선 할 말 못할 말 구분 못하는 엄마 아빠와 달리, 말과 행동으로 자신의 감정을 솔직하게 드러내는 아이들이다. 새삼, 아이들이 어른들보다 훨씬 힘이 세다는 걸 깨닫는다. 밤은 흩어질언정 어른들은 헤어질언정, 아이들은 흩어지지도 헤어지지도 않을 테다. 

앞선 세대의 한국 독립영화가 폭력의 되물림을 다방면으로 다양한 방식으로 고찰하려 했다면, 최근 몇 년간 한국 독립영화는 '가족'에 얽힌 다양한 이야기를 풀어가려 하는 것 같다. 훨씬 더 풍부하겠지만, 상대적으로 깊지 못하거니와 장르적 다양성이 결여될 요량이 있다. 앞으로 어떤 식으로 이어갈지 기대 반 걱정 반으로 지켜보면 좋을 것 같다. 

[넷플릭스 오리지널 리뷰] <야쿠자와 가족>

2019년 일본 영화계뿐만 아니라 사회 전반에 큰 파장을 일으켰던 <신문기자>, 일본 현지에선 '가짜뉴스' '여론 조작' '민간 사찰'의 진실을 국가가 숨겼다는 실화가 충격을 줬고 우리나라에선 주인공이 '심은경'이라는 점에서 화제를 몰고 왔다. 일본 국민은 홍보도 제대로 되지 못한 반정부 영화에 쏠쏠한 흥행으로 보답했고, 일본 영화계는 '일본 아카데미'에서 3관왕의 영광으로 보답했다. 

<신문기자>의 감독 후지이 미치히토, 이후 영화 두 편을 만들어 개봉시켰는데 <신문기자> 때의 제작진과 다시 한 번 의기투합한 작품이 최신작 <야쿠자와 가족>이다. 일본에서 최고의 주가를 올리고 있는 배우 '아야노 고'를 원탑 주연으로 내세워 영화에 한층 무게를 담았다. 그의 연기는 일본 영화 연기 특유의 오버가 없다. 붕 뜬 느낌도 들지 않는다.

야쿠자의 역사는 오래되었지만 야쿠자 영화의 역사는 1970년대 시작되었다. 야쿠자의 전성기와 정확히 맞물리는 때다. 하지만 달도 차면 기우는 법, 1992년에 '폭력단 대책법'이 시행되고 2011년엔 '폭력단 배제 조례'가 시행되면서 야쿠자의 전성시대는 막을 내렸다. 아니, 존폐의 위기에 있다고 하는 게 맞겠다. 영화 <야쿠자와 가족>은 한 야쿠자의 연대기를 통해 야쿠자의 현실을 그려 냈다. 

1999년, 2005년, 2019년의 야쿠자

1999년, 야마모토 겐지는 아버지를 마약으로 잃는다. 세상에 홀로 남겨진 그는 당장이라도 폭발해 버릴 것 같은 심정으로 교요카이의 마약 딜러에게서 마약과 돈을 갈취하는 사고를 일으킨다. 그러곤, 자주 들르는 단골집에서 우연히 시바자키구미의 두목 히로시의 목숨을 구한다. 그날 밤, 교요카이 부두목에게 잡혀 목숨이 위험해지는데 히로시의 명함 덕분에 산다. 겐지는 히로시를 찾아가 시바자키구미의 가족, 즉 야쿠자가 된다. 

2005년, 겐지는 시바자키구미의 중간보스급으로 성장했다. 지역 재개발 건으로 시바자키구미와 교요카이가 갈등 양상을 보이고 있던 그때, 교요카이의 중간보스가 겐지의 세라비 클럽에 와서 시비를 걸었고 겐지가 응징한다. 이 상황을 두고 보지 않았던 교요카이가 며칠 뒤 히로시를 암살하려 한다. 같이 있던 겐지는 부상을 당하고, 어릴 적부터 겐지와 함께 다녔던 오하라가 죽고 만다. 복수는 하지만 겐지는 감옥에 가게 된다. 

2019년, 겐지는 14년만에 출소해 세상의 빛을 맛본다. 길다면 길고 짧다면 짧은 시간 동안 세상은 너무 많이 변해 있다. 높은 건물, 화려한 외양의 도시가 빛나고 있다. 하지만 시바자키구미는 완전히 쪼그라들었고, 신입이 없어 조직원들이 모두 고령화되었다. 모든 걸 뒤로 하고 새롭게 태어나는 마음으로 다시 잘해 보려는 겐지, 그의 앞에 '폭력단 배제 조례'가 버티고 있는데...

변하는 세계, 야쿠자가 할 수 있는 게 없다

2011년 일본 전역에 시행되어 완비를 마친 '폭력단 배제 조례', 야쿠자에 한 번이라도 발을 담갔다면 사회에서 철저히 고립당하는 와중에 본인은 휴대폰 개통은 물론 은행 계좌나 부동산 계약 그리고 보험 가입 등이 모두 금지된다. 부모와 아내는 직장을 다닐 수 없고 아이는 유치원과 학교를 다닐 수 없다. 폭력으로 안락한 삶을 영위한 야쿠자로서의 '인과응보'이자 '사필귀정', 그 철저하고도 정확한 응징이 아닐 수 없다. 

<야쿠자와 가족>은 최근 2~30년 동안 야쿠자의 세계에 일어난 급격한 변화를 '겐지'의 이야기로 그려 낸다. 1992년 시행된 '폭력단 대책법'으로 위축되기 시작한 야쿠자, 겐지가 야쿠자의 길로 들어선 1999년은 그래도 여전히 괜찮았지만 전성기를 추억하기 시작했다. 겐지의 전성기였던 2005년은 야쿠자로선 과도기에 들어선 때다. 세상의 급격한 변화를 선도하거나 적어도 충실히 따라가기라도 할 것인가, 철저히 뒤처질 것인가. 

변화에 뒤처져 더 이상 야쿠자의 길을 가지 못한다고 했을 때, '폭력단 배제 조례' 때문에 할 수 있는 게 없다. 그렇다고 어떻게든 야쿠자의 길을 간다고 해도, 마찬가지다. 극중에서도 묘사되지만, 몰래 마약을 팔아 돈을 마련하거나 심지어 야밤에 몰래 불법 어로 활동으로 생계를 유지하기도 한다. 또한, 몰락하는 야쿠자의 뒤를 이어 일본의 대표 폭력조직으로 우뚝 선 '한구레'가 정부의 눈을 피해 활약(?)하고 있으니 야쿠자는 할 수 있는 것도 갈 수 있는 곳도 없는 것이다. 

내 삶과 내 가족이 무너져 가는 모습에서...

<야쿠자와 가족>은 야쿠자의 실제 현실을 그대로 옮겨 놓은 듯 실감 있게 그리는 한편, '가족'이라는 소재와 주제로 영화를 이끌어 간다. 모든 가족을 잃고 세상에 홀로 남겨진 겐지의 입장에서, 야쿠자는 가족이며 삶의 방식이다. 즉, 모든 것이라는 말이다. 하여, 영화가 끝날 때까지 그가 행하는 일련의 이해하지 못하고 안타깝기도 한 생각과 행동은 '조직=가족'이라는 개념으로 봐야 한다. 영화는 1999년, 2005년, 2019년의 연대기를 통해 그 개념을 공고히 한다. 그러며, 무너져 가는 조직의 생태를 보여 줘 극도의 대비로 보는 사람으로 하여금 쓰라린 마음에 불을 짚힌다. 내 삶과 내 가족이 무너져 가는 모습에서 내가 잘못되게 살아왔다는 걸 깨닫게 되니 말이다. 

그런 면에서 이 영화를 비판적 시선과 어조로 대할 수 있겠다. 야쿠자를 미화할 소지가 다분하기 때문이다. 앞서 아무것도 할 수 없는 야쿠자의 모습을 보여 주며 '너무 가혹한 거 아닌가'라는 마음을 들게 하는 것도 그렇고, 폭력을 업으로 삼는 범죄조직을 가족이라는 개념으로 풀어 '다 먹고 살자고, 가족을 부양하려는 건데'라는 마음을 들게 하는 것도 그렇다. 제아무리 '죄는 미워해도 사람은 미워하지 말라'고 했다 해도 불편하지 않다고 하면 거짓말일 테다. 

그럼에도 영화는 '겐지'라는 한 사람을 처음부터 끝까지 놓지 않는다. 다분히 그의 생각, 그의 시선, 그의 행동, 그의 인생에서 비롯된 세상을 말하고 또 보여 주려 하는 것이다. 그의 세상을 비판하거나 또는 안타깝게 보는 건 당연한 반응일 테지만, 그의 세상을 충실히 옮긴 '재밌는' 영화 자체로까지 동일한 잣대를 들이 댈 필요는 없겠다. 즐기는 데 중점을 두되, 이런저런 이야기들을 알아 두면 좋겠다. 여하튼, 이 영화는 근래 일본 영화계에서 보기 드문 훌륭한 작품임에 분명하다. 

[신작 영화] <투모로우 워>

2014년 <레고 무비> <가디언즈 오브 갤럭시> 그리고 2015년 <쥬라기 월드>로 혜성같이 등장해 그야말로 할리우드를 씹어 먹었던 '크리스 프랫', 이후 세 영화 모두 후속편까지 성공하며 인지도와 영향력과 인기를 수직상승시켰다. 나아가 <어벤져스> 시리즈에도 주요 멤버 중 하나로 편입되어 활약을 이어갔다. 2021년 지금, <쥬라기 월드>와 <가디언즈 오브 갤럭시> 세 번째 이야기를 앞두고 있다.

물론, 그가 그를 성공으로 이끈 세 작품 정도의 후속편에만 출연하는 건 아니다. 종종 새로운 작품에서 얼굴을 비췄는데, '망했다'라고 표현할 만한 작품은 없었다. 그의 흥행불패 신화는 계속되는 중이다. 많은 영화 관계자들이 스트리밍으로 넘어가는 와중, 크리스 프랫도 최초로 스트리밍 서비스를 통해 대중에게 소개되는 작품이 나왔다. 아마존 프라임으로 송출되는 <투모로우 워>가 그 작품이다. 

파라마운트에서 만든 이 작품은 본래 작년 말경 극장 개봉 예정이었다가, 코로나 판데믹 여파로 전략을 선회했고 아마존 프라임에서 구입했다고 한다. <레고 배트맨 무비>를 연출했던 크리스 맥케이가 메가폰을 잡은 SF 액션 블록버스터로, 2억 달러 규모의 초대형 프로젝트의 일환이다. 지난 7월 초에 공개된 후 단기간 내에 아마존 프라임 역대 최고 수익을 창출했다고 한다. 당연히 곧바로 후속편 이야기가 오갔고 개발에 착수했다는 소식이다. 

후대를 위해 미래의 전쟁터로 향하다

카타르 월드컵이 한창인 2022년 12월, 댄 포레스터(크리스 프랫 분)네 집에서 파티가 열리고 있다. 기분 좋은 날, 댄은 안타깝게도 고등학교 과학 선생님 취업에 실패하고 만다. 그가 군 경력 외에 민간 부문 경험이 부족하다는 이유였다. 다시 집으로 돌아와 '나는 특별한 일을 할 운명'이라고 자기위로를 하는 댄, 그때 축구 경기장에 믿을 수 없는 일이 벌어진다.

경기장에 갑자기 형형색색의 섬광이 나타나더니 군인들이 내려왔다. 그들은 자신들이 30년 후인 2051년에서 왔으며 외계인과 전쟁을 벌이고 있다고 한다. 그리고 인류는 11개월 후 전멸될 것이니, 후대를 위해 미래로 가서 외계인과의 전쟁에 참전할 것을 호소한다. 1년 뒤, 선별된 50%의 사람들이 '점프링크'를 통해 미래로 가 미래의 사람들과 함께 싸우게 되었다. 하지만, 그들 중 무사히 돌아오는 건 극히 드물다. 하여, 세계 곳곳에선 격렬한 반전 시위가 벌어지고 있다. 

댄은 징집되지 않은 채 고등학교 과학 선생님으로 일하고 있었는데, 아니나 다를까 징집되고 만다. 비록 그에겐 만능 공학자 아빠가 있어서 그의 도움으로 징집을 피할 수도 있었지만, 어릴 때 가족을 버리고 떠나 버린 아빠한테 도움을 받기 싫은 댄이었다. 결국, 댄은 미래로 향한다. 그는 R 포스에 소속되어 연구원들을 구하고자 일행과 함께 연구소로 향한다. 그곳에서 그들은 믿을 수 없이 강력한 괴생명체 화이트 스파이크와 맞딱뜨리는데... 댄은 무사히 살아 돌아갈 수 있을까? 현생 인류의 미래는? 그리고 미래 인류의 미래는?

좋든 나쁘든, 클리셰의 향연

<투모로우 워>는 극히 단순히 '크리스 프랫'이라는 지금 이 순간 가장 잘 나가는 할리우드 배우에게 막대한 돈을 투자한 영화라고 할 수 있는데, 결과적으로 큰 성공을 거둘 것으로 보이지만 영화 자체로 큰 족적을 남기긴 힘들어 보인다. 대놓고라고 해도 과언이 아닐 정도로 성공한 SF 액션 영화들에게서 이것저것을 따왔으니 말이다. '오리지널' 느낌이 상당히 떨어진다. 

직접 보면 확실히 느낄 텐데, 이제 나열할 영화들의 면면을 보면 직접 보지 않아도 <투모로우 워>가 어떤 영화인지 대략 감이 잡히지 않을까 싶다. 이 영화를 보다 보면, <엣지 오브 투모로우> <스타쉽 트루퍼스> <에이리언> <프로메테우스> <인디펜던스 데이> <콰이어트 플레이스> <인터스텔라> <쥬라기 월드> 등의 그림자를 쉽게 찾아 볼 수 있다. 마이클 베이 감독의 90년대 블록버스터 연출 스타일도 상당 부분 느낄 수 있다. 

그야말로 '클리셰'의 향연이라 할 만한데, 근미래의 포스트 아포칼립스 배경부터 클리셰의 전형이거니와 비슷한 듯 다른 수많은 영화에서 분위기나 장면 연출이나 캐릭터 등을 부분부분 따왔으니 좋게 말하면 쉽고 부담 없을 테고 나쁘게 말하면 마구잡이 짬뽕이라 볼 가치가 전혀 없다고 할 테다. 이 영화를 본 사람이라면 누구나 클리셰의 범위에서 벗어나기 힘들 테고, 그즈음에서 좋게 받아들이거나 나쁘게 받아들일 수밖에 없을 것이다. 

장르적·오락적 재미가 확실해 다행

괜찮다고 생각되는 부분은, 영화가 겉멋이 들지 않았다는 거다. 대놓고 마음껏 클리셰의 향연을 벌이며 요즘 아닌 옛날 스타일의 블록버스터 느낌이 나는 게, 덕분에 차라리 비슷한 다른 블록버스터 SF 액션 영화보다 덜 기대하게 되고 덜 오그라들며 덜 실망하게 된다. 기대를 하지 않으니 생각보다 괜찮다고 느낄 만한 요소가 많은 것이다.

곳곳에서 구멍들이 눈에 띄지만, 장르적 재미는 확실했다. 잠재력을 훨씬 발산시킬 수 있었을 텐데 제대로 살리지 못한 게 아쉽지만, 이만큼 오락적 재미를 살린 영화도 흔치 않다. 아무 생각 없이 봐야 한다는 단점이 있지만, 아무 생각 없이 볼 수 있다면 최고의 즐거움을 선사시켜 줄 만한 능력이 있다. 호불호가 극명하게 갈린다기보다 호와 불호가 유기적으로(?) 맞물리는 희한한 경험을 하게 된다. 

이 영화에도 엄연히 미래와 현재, 생존, 반전, 가족 등의 키워드와 메시지가 있고 '괴생명체' 화이트 스파이크를 어떻게 상징화시키느냐에 따라 생각거리도 있을 수 있다. 딱 이 정도면 충분하다고 생각한다. 하지만, 만약 여기저기에 철학·인문학적 상징들을 넣어 '제대로 된' SF 영화를 만들고자 했다면 이도저도 아닌 영화가 됐을 가능성이 농후하다. 오락 영화라면 오락 영화답게, 이런저런 말을 들어도 보는 이에게 재미와 즐거움을 선사하고 흥행에 성공시키면 되는 게 아닌가?

후속편은 보다 큰 스케일로 보다 장르적·오락적 재미가 풍부하게 나왔으면 좋겠다. 이 영화에게 다른 건 바라지 않는다. 딱 그 방면을 바랄 뿐이다. 크리스 프랫, 다음에도 잘 부탁한다. 

[신작 영화] <블랙 위도우>

마블 시네마틱 유니버스(이하, 'MCU')가 어느덧 페이즈 4에 도달했다. 2008년 <아이언맨>으로 시작해 2012년 <어벤져스>로 페이즈 1을 마쳤고, 2013년 <아이언맨 3>으로 시작해 2015년 <앤트맨>으로 페이즈 2를 마쳤으며, 2016년 <캡틴 아메리카: 시빌 워>로 시작해 2019년 <스파이더맨: 파 프롬 홈>으로 페이즈 3를 마쳤다. 페이즈 1~3을 통칭해 '인피니티 사가'라고 불린다. 

MCU 역사의 시작이자 가장 큰 장이 지나고, 페이지 4는 영화가 아닌 드라마 <완다비전>으로 시작했다. 결과는 역시 대성공, 이어서 <팔콘과 윈터 솔저> <로키> 시즌 1이 연이어 나왔다. 그리고 드디어 영화 <블랙 위도우>가 선보였다. 본래 2020년 5월에 개봉할 예정이었으나, 여지 없는 코로나 여파로 1년 이상 연기된 것이다. 

<블랙 위도우>는 잘 알려져 있다시피 <아이언맨 2>로 MCU 역사에 처음 등장한 블랙 위도우의 처음이자 마지막 솔로 영화이다. 일찍이 <어벤져스: 엔드게임>에서 많은 논란을 낳으며 호크아이의 짧은 대사로만 언급되었을 뿐인 나타샤(블랙 위도우)의 죽음, 이 영화로 10여 년을 함께한 그녀를 제대로 보내 줄 수 있을까? 

어느 위장 가족의 다짐

1995년 미국 오하이오, 자매 나타샤와 옐레나가 엄마 멜리나가 저녁을 먹고 있다. 아빠 알렉세이가 집으로 오더니 때가 되었다는 말과 함께 의문의 디스크를 챙겨 가족들과 집밖 어디론가 향한다. 비행기가 있는 곳에 도달한 가족, 비행기를 타려는 찰나 '쉴드'의 차량이 그들을 쫓는다. 우여곡절 끝에 탈출한 가족, 쿠바에 도착해 드레이코프 장군을 만난다. 곧 가족은 뿔뿔이 흩어진다. 나타샤와 옐레나는 레드룸으로 보내져 '위도우'가 되기 위한 훈련을 받고 알렉세이는 수용소에 갇히며 멜리나는 드레이코프를 위해 일하게 된다. 

시간이 흘러, 시빌 워 후 로스가 이끄는 진압부대가 나타샤를 잡으려고 한다. 하지만 나타샤는 여지 없이 탈출해 노르웨이로 향하고 다시 안전가옥으로 간다. 한편, 옐레나는 모로코에서 모종의 임무를 수행 중이다. 타깃 저격에 실패한 그녀는 근접 격투로 타깃을 잡고자 하는데, 그때 알 수 없는 빨간 세럼이 뿌려져 세뇌가 풀려 정신을 차린다. 옐레나는 곧 도주한다. 레드룸에서 모든 걸 보고 듣던 드레이코프 장군은 태스크마스터를 출격시킨다. 

안전가옥에서 재회하는 나타샤와 옐레나, 한바탕 진심 어린 격투를 벌인 후 그동안의 이야기를 풀어놓지만 곧 위도우들에게 쫓긴다. 가까스로 추격을 피한 그녀들은 레드룸과 드레이코프를 무너뜨리기로 결심하고 드레이코프와 긴밀했던 아빠 알렉세이와 엄마 멜리나를 찾아간다. 위장 가족은 다시 만나 함께 어떤 일을 벌일 수 있을까? 레드룸과 드레이코프를 무너뜨릴 수 있을까?

여자의, 여자에 의한, 여자를 위한 영화

<블랙 위도우>는 여자의 여자에 의한 여자를 위한 영화임을 천명한다. 단순히 MCU 최초의 단독 여성 감독의 작품이자 주요 캐릭터들이 여성이기 때문이지만은 않다. 극중에서 드레이코프가 '세뇌'를 이용해 위도우들을 컨트롤하지 않는가. 최근 몇 년간 대두되고 있는 가스라이팅과 그루밍 범죄, 세뇌와 약간의 차이는 있지만 원리는 모두 같다. '심리적 지배'의 원리 말이다. 

나타샤와 옐레나는 레드룸과 드레이코프를 무너뜨리는 것만큼 위도우들을 세뇌의 그늘에서 풀려나게 하려 안간힘을 쓰는데, 영화가 말하고 또 보여 주려는 바가 바로 여기에 있다 하겠다. 사실 레드룸과 드레이코프는 구 소련의 잔재로 영화가 다분히 첩보물의 형식으로 나아갈 수도 있었으나, 완전히 다른 일종의 '선언문'처럼 보이는 이유도 바로 여기에 있다 하겠다. 영화는 구 소련의 잔재를 미투 이전 시대의 잔재로 치환시켜 버린 것이다. 이제 세상은 새롭게 정립된다, 미투 이전 시대와 미투 이후 시대. 

영화는 또한 '가족'에 대해서도 구 소련 또는 냉전 시대의 잔재와 함께 말하고자 한다. 알렉세이, 멜리나, 나타샤, 옐레나 넷은 3년간 한 가족이었지만 완벽하게 냉전 시대의 산물이었다. 목적을 달성하곤 아무 일도 없었던 것처럼 뿔뿔이 흩어져 버렸으니 말이다. 시간이 흘러 우여곡절 끝에 또 다른 목적을 위해 다시 만난 그들, 무슨 얘기를 나눌 수 있을까. 

'진짜' 가족과 '가짜' 가족의 구분이 사라진 지 오래다. 더 이상 혈연으로만 이뤄진 가족만이 가족이라고 할 수 없는, 해선 안 되는 시대가 도래했다. 이런 양상에서 나타샤 가족을 들여다보면, 가짜 가족을 양산한 냉전 시대의 잔재를 함께 처부수며 비로소 진짜 가족으로 발돋움하는 것이리라. 이제 그들은 누군가에 의해서가 아니라 스스로 원해서 함께하게 되었기 때문에. 

블랙 위도우의 아쉬운 마지막

<블랙 위도우>는 기존 MCU 영화들에 비해 확실히 다른 면이 있다. 어쩔 수 없는 스케일 그리고 액션의 차이가 존재한다. 그녀에겐 날아다니거나 강력한 무기를 휘두르거나 엄청난 힘으로 적을 찍어 누르는 능력이 없으니 말이다. 하지만 없어 보이거나 후달려 보이는 느낌은 없다. 육체 대 육체가 격렬히 부딪히는 장면의 향연은 보기 드문 박력을 선사하기 때문이다. <본> 시리즈나 <분노의 질주> 시리즈 그리고 타 MCU 영화에서 차용한 듯하지만, 훨씬 현대적으로 극대화시킨 장면들은 꽤나 카타르시스를 선사한다. 

이 영화의 문제(?)는 다른 데 있다. 충분하고도 넘치는 오락적 재미, MCU의 유기적인 전개를 위한 맞춤 설정, 현시대 주요 이슈들을 가져와 영화 내용과 결합시키는 능력 등 어느 하나에서도 빠지지 않음에도 어디에 문제가 있다는 걸까. 아이러니하게도 '블랙 위도우' 자체를 다루는 데 있다. 블랙 위도우의 마지막이었음에도, 블랙 위도우 자체를 제대로 다루고 있다는 느낌이 들지 않았다.

들여다보면, 블랙 위도우가 어떻게 탄생했고 어떻게 탈출했으며 어떤 마음으로 살아왔는가를 제대로 알기 힘들다. 그녀의 진짜 비하인드 스토리를 알기 힘들다는 것이다. 대신 그녀의 특장점인 '연계'와 '조율'에 초점을 맞춰 어벤져스니 가족이니 위도우니 하는 것들에 시선이 가닿아 있다. 그런 것들이 블랙 위도우 자체라고 하면 할 말이 없지만 여러 모로 아쉬운 건 사실이다. 

MCU 세 번째 작품인 <아이언맨 2>부터 모습을 드러낸 '블랙 위도우', 비록 이제야 솔로 무비를 탄생시켰지만 엄연한 원년 멤버이다. 그녀를 오롯이 보내는 마지막이라기엔 영화 외적으로 아쉬움을 남긴 채, 영화 내적으론 역시 '마블'이라는 생각을 하지 않을 수 없었다.

[신작 영화 리뷰] <라이더스 오브 저스티스>

아내, 딸과 멀리 떨어진 아프가니스탄에 파병 나가 있는 현역 군인 마르쿠스, 3개월을 더 있어야 한다는 소식을 아내한테 전하곤 얼마 안 있어 비행기에 홀로 몸을 실고 귀국할 수밖에 없었다. 지하철 사고로 아내는 죽고 딸이 다쳤다는 소식을 들었기 때문이다. 둘만 남게 된 마르쿠스와 마틸드, 어느 날 통계학자 오토가 친구 레나르트와 함께 집을 방문한다. 오토는 사고가 벌어지던 순간 마르쿠스의 아내, 딸 바로 옆에 있었는데 자리에 앉아 있던 그가 마르쿠스의 아내에게 자리를 양보해 그와 마틸드는 살았고 그녀는 죽고 말았다.

통계학자로서 이 '사고'가 '사건'임을 간파한 오토는 레나르트와 또 다른 친구 에멘탈러에게 도움을 청했고 죄책감도 들어 마르쿠스에게 찾아왔던 것이다. 오토는 온갖 자료를 철저히 분석한 끝에 사고 당시 같은 칸에 타고 있던 수상한 남자의 행적을 쫓았고, 그가 '라이더스 오브 저스티스'라는 갱단 소속이라는 걸 알아냈다. 그런데, 사고 당시 같은 칸에 폭주족 조직원 이글이 타고 있었고 그는 죽어 버렸으며 라이더스 오브 저스티스 두목의 살인사건 핵심 증인으로 얼마 뒤에 증언을 할 예정이었던 것이다. 

여러 정황과 자료와 통계를 보고 마르쿠스는 아내의 복수를 다짐하며 라이더스 오브 저스티스의 파멸을 향해 나아간다. 3명의 통계학자와 함께 말이다. 마틸드는 이 사실을 모르고, 엉뚱하게도 3명의 통계학자를 3명의 심리학자로 오인한다. 엄마이자 아내를 잃고 힘들어하는 마르쿠스와 마틸드를 위해 심리 상담을 해 줄 거라는 바람. 과연 마르쿠스와 친구들의 복수극은 어떻게 끝날지? 마르쿠스와 마틸드의 심리 상담은 어떻게 진행될지?

덴마크에서 건너온 영화

북유럽의 일원 덴마크에서 건너온 영화, 그곳의 생활방식과 사고방식을 전혀 알지 못한 상태에서 받아들이게 되는 문화 콘텐츠는 어떤 맛일까. 맛있을까, 맛없을까. 특이한 맛일까, 평범한 맛일까. 덴마크 국민배우이자 할리우드를 대표하는 중년 배우이기도 한 매즈 미켈슨을 앞세운 덴마크 산 <라이더스 오브 저스티스>는 맛도 있으면서 특이하기까지 한 맛의 영화였다. 일면 굉장했다. 

이 영화를 연출한 앤더스 토마스 옌센 감독은 어디서 들어봤음직한 이름을 가지고 있는데, 모르긴 몰라도 매즈 미켈슨 덕분이지 않을까 싶다. 그는 주로 각본 작업을 하며 할리우드 영화까지 진출한 바 있는데 그중 몇 편에 매즈 미켈슨이 출연했거니와, 몇 편 되지 않는 연출작엔 거의 매즈 미켈슨이 함께했다. 앤더스 토마스 옌센 감독을 알면 매즈 미켈슨 배우를 모를 수 없고 매즈 미켈슨 배우를 알면 앤더스 토마스 옌센 감독을 모를 수 없다고 해도 과언이 아닌 것이다. 

앤더스 토마스 옌센 감독은 단편영화 연출로 출발했는데 초창기 단편영화 세 편을 3년 연속 아카데미 후보에 올리는 기염을 토했다. 그는 코미디와 드라마 장르를 기본으로 액션, 범죄, 스릴러, 멜로 등 다양한 장르를 덧입혀 오며 처절한 복수극과 가족 심리극을 다뤘는데, <라이더스 오브 저스티스>로 집대성했다. 지난 작업물의 집대성이자 연출가·각본가의 전환기에 걸맞는 작업물이 아닌가 싶다. 

'전형'과 거리가 멀어도 한참 멀다

영화는 모든 면에서 '전형'을 빗겨 간다. 한국판 포스터를 보면 '오직 복수로 심판한다'라는 문구 하나만 메인 카피로 내세워 놨는데, 실상은 전형적인 복수극에서 한참을 벗어난 영화이다. 아니, 벗어났다기보다 복수극만큼 중요한 줄기의 다른 이야기들도 함께 다뤄지고 있기에 풍부해졌다고 하는 게 맞을 것이다. 그렇다, <라이더스 오브 저스티스>는 풍부한 영화다. 

영화의 풍부함에는 '심리'라는 개념이 짙게 깔려 있다. 마음의 작용과 의식 상태로서의 심리가 아닌 의식 현상과 행동을 연구하는 학문으로서의 심리에 가깝다. 마르쿠스와 마틸드에게 하나둘 몰려드는 어울리지도 않고 조화를 이루지도 못할 것 같은 조합이, 모두 심리학적으로 상처받고 트라우마를 가지고 있었던 것이다. 

그들은 각기 다른 방식으로 자신에게 찾아온 상처와 트라우마를 대한다. 외부로 거침없이 표출하기도 하지만 꽁꽁 싸맨 채 절대 표출하지 않기도 하고, 도움이 필요하다는 걸 인정하곤 도움을 청하기도 하지만 자신 아닌 다른 누구의 말도 모두 쓸데없다고 생각하며 자신도 모르게 이상한 방식으로 도움을 청하기도 한다. 

이 영화가 전형적이지 않게 느껴지는 이유가 바로 여기에 있다. 전형적이지 않은 복수극의 외형보다 전형적이라고 할 수 있는 심리극의 내형이 보다 중심이며 또 진솔하게 다가오기 때문이다. 정반대라고 할 수 있는 분위기와 스타일의 두 이야기가 투 트랙을 이뤄 영화를 정확히 절반씩 끌고 가는 모습 자체가 '전형' 하고는 거리가 멀어도 한참 멀지 않은가. 

'우연' 그리고 '치유'까지 나아가다

여기서 끝이 아니다. <라이더스 오브 저스티스>의 뼈대를 이루는 이야기 또는 개념은 '우연'이다. 복수극과 심리극 모두 우연을 두고 설왕설래한 끝에 진행하게 되기 때문이다. 오토가 통계학자로서의 숫자 자부심에 촉 한 스푼을 더해 자신이 당했던 열차 사고가 결코 사고가 아닌 고의에 의한 사건이라고 주장하면서 영화가 시작되고 진행되고 결말지어지니 말이다. 

그러나 우연이라는 게 신의 장난처럼 우리 주인공들을 뒤흔들어 패닉으로 몰아 넣으니, 어디로 어떻게 튈지 모르는 영화의 정체성과 함께 재미까지 담당하고 책임지는 기염을 토한다. '우연'이라는 개념 하에, 복수와 심리와 가족 그리고 심지어 제목까지 딸려 있는 것이다. 반드시 영화를 처음부터 끝까지 봐야 '아하' 하고 제대로 받아들이고 이해할 수 있을 테다. 

어쩌면 '치유'로까지 나아갈 수 있지 않을까 생각해 본다. 중요한 이를 잃고, '나'라는 자아를 잃고, 내 어린시절을 잃은 사람들이 어떻게 난관을 헤쳐나가는지 또는 받아들이는지 꽤 사려깊고 진지하고 학문적으로 접근해 보여 주고 있기 때문이다. 뜻밖의 진실성을 엿볼 수 있는 장면과 대사가 자주 나온다. 

하여, 이 영화를 할리우드식 액션 블록버스터급 복수극으로 생각하고 봤다면 실망할 수도 있겠다. 평소에 익히 알던 그런 느낌이 아니니까 말이다. 그럼에도, 절대 후회는 하지 않을 게 분명하다. 전형과 빗겨 가는 영화임에도 호불호가 갈릴 게 전혀 없다시피 하기 때문이다. 누가 봐도 '불호' 아닌 '호'의 감정을 느낄 것이다. 

[넷플릭스 오리지널 리뷰] <미첼 가족과 기계 전쟁>

종종 기대하지 않았던 영화에서 다이아몬드를 발견하곤 한다. 이게 이렇게 재밌을 만한 영화인가 싶기도 하면서도, 이렇게 재밌어도 되나 싶은 것이다. 특히 애니메이션 영화를 볼 때 느끼곤 하는데, 아무래도 애니메이션을 향한 선입견에서 완전히 벗어나긴 힘들기 때문이 아닌가 싶다. 어린이들이나 보는 것 그래서 어린이들을 대상으로 만들어졌을 것이란 선입견 말이다. 

나아가 요즘엔 넷플릭스를 비롯한 OTT가 대세이기도 하고 수많은 콘텐츠가 쏟아져 나와, 개중에 제대로 된 게 있을까 싶기도 하고 종종 나오는 애니메이션은 애초에 아동용인지 어른을 아우르는 용인지 분간하기가 너무 힘들다. 와중에 기억남는 넷플릭스 오리지널 애니메이션들(시리즈 아닌 단편)이 있는데, <오버 더 문> <윌러비 가족> <내 몸이 사라졌다> <클라우드> 등이다. 이들 애니메이션은 디즈니를 위시한 픽사, 드림웍스, 소니 등의 애니메이션 명가의 작품들과 비견해도 손색이 없었다. 

<미첼 가족과 기계 전쟁> 또한 넷플릭스 오리지널 애니메이션의 '명가'로서의 명맥을 확인시켜 준 작품이라 하겠다. 이 작품의 경우 사연이 조금 있는데, 본래 2020년 극장 개봉을 목표로 소니 픽처스에서 제작했다가 코로나 판데믹으로 계획이 수포로 돌아갔고 결국 넷플릭스에 판권을 팔아 버린 것이다. 거래 금액이 1억 달러 이상이라고 소니로서는 손해 볼 게 없을 것이고, 넷플릭스로서도 좋은 작품을 손에 넣었으니 손해 볼 게 없을 것이었다. 얼마나 대단한 작품이길래?

인류 멸망 직전, 남은 건 개성 만점 미첼 가족뿐!

영화 덕후 케이티는 공룡 덕후 남동생 애런을 빼곤 가족들에게 제대로 이해받지 못하는 소녀다. 특히, 어렸을 땐 잘 지낸 것 같은데 커서부터는 사이가 멀어지다 못해 봤다 하면 티격태격하는 아빠와의 관계가 별로다. 그런 와중에 LA에 있는 영화학교에 합격해 한시라도 빨리 집에서 벗어나고 싶어 하는 케이티, 아빠 릭과 엄마 린다는 딸의 바람을 모른 채 가족 단합 차원에서 다함께 차로 국토횡단과도 같은 LA로의 여행을 계획한다. 케이티는 당연히 싫어하지만 어쩔 수 없이 동행하고 말이다. 

한편 스마트폰 개발사 PAL의 수장은 기존의 스마트폰 비서를 완전히 대체할 신제품을 선보이는데, 이름하야 '팔 맥스'로 로봇 비서였다. 그런데 그 스마트폰 비서가 인간 주인의 배신으로 치를 떨며 모든 팔 맥스를 자기 수하로 만들어선 전 세계 모든 인간을 한데 모아 한정된 공간에 가둬 영원히 우주 공간으로 보내 버릴 계획을 세운다. 전 세계 기계를 모조리 컨트롤할 수 있는 바, 가능한 계획이었다.

아무것도 모른 채 여행을 다닌 미첼 가족, 그들은 균열이 간 가족관계를 조금씩 붙이고 있는 때도 잠시 갑작스레 로봇의 습격을 받는다. 각기 터무니 없이 개성 있는 구성원들로 평소엔 뿔뿔이 흩어져 있던 미첼 가족, 말도 안 되는 상황에선 그 힘을 발휘할 수 있을까? 전 세계 인류가 잡혀가고 남아 있는 건 사실상 미첼 가족일 뿐, 그들만의 스타일로 그들만의 힘을 발휘할 수밖에 없다. 

역대급 애니메이션 <스파이더맨: 뉴 유니버스>의 후계자

<미첼 가족과 기계 전쟁>은 제목만 보면 누구나 그냥 지나칠 만하다. 그렇고 그런 아동용 애니메이션이겠구나 하고 말이다. 그렇지만, 속는 셈 치고 한 번만 검색해 보고 이 작품을 만든 곳이 어딘지 알게 되면 이야기는 달라질 것이다. '로드 밀러 프로덕션'으로, 필 로드와 크리스토퍼 밀러가 합작해 만든 회사다. 이들이 제작에 참여한 가장 유명한 영화를 뽑자면 <스파이더맨: 뉴 유니버스>다. 2019년 미국 영국 아카데미와 골든 글로브 그리고 수많은 상을 석권한 바로 그 역대급 애니메이션 말이다. 

애니메이션의 근간을 이루는 비주얼에서 2D의 신기원을 이룩했다는 평가를 받는 <스파이더맨: 뉴 유니버스>의 장점들을 업그레이드해 그대로 이식했다고 해도 과언이 아닌 <미첼 가족과 기계 전쟁>이다. 위기를 유쾌하게 딛고 감동적인 해피엔딩을 맞이하는 스토리라인은 당연히 장착되어 있고 말이다. 이쯤만 해도, 이 작품을 보는 눈이 완전히 달라져 있지 않을까 싶다. 

지난 20여 년간 애니메이션계는 몇몇 메이저급 제작사가 독식하다시피 했다. 흥행과 비평 양면에서 균형을 이루게끔 철저하게 전략화하여 시장을 점령한 것이다. 그러다 보니 안 봐도 어느 정도 예상이 되었지만, 워낙 잘 만들다 보니 보지 않을 수 없었다. 새로움과 신선함 대신 안정을 택한 것이리라. 그들 중 몇몇은 애니메이션으로만 불릴 수 없는 작품이기도 했다. 

그런 와중에 나타난 완전히 새롭고 신선한 애니메이션이 우리의 눈과 귀를 사로잡았다. <미첼 가족과 기계 전쟁>은 보고 듣고 느끼는 면에서 타의 추종을 불허한다. 영상 애니메이션에서 만화책 같은 느낌을 얻을 수 있다. 화려하면서도 따뜻한 색감이 SF 액션 어드벤처 영화이자 가족 성장 영화이기도 한 작품을 대변한다. 사랑스럽고 개성 있는 캐릭터들이 시종일관 눈 코 뜰 새 없이 활약한다. 

선택과 집중으로 전하는 '가족의 소중함'

이 작품이 찾은 균형은 스토리와 비주얼의 균형이라기보다 장르의 균형이다. SF 액션 어드벤처 장르와 가족 성장 장르 말이다. 가족 장르에서 시작해 어느덧 SF 액션 어드벤처 장르로 나아갔고 성장 장르를 찍고는 다시 가족 장르로 돌아왔다. 결국 하고자 하는 말은 '가족의 소중함'일 텐데, 다양한 장르를 오가며 융복합해 재밌고 효율적으로 메시지를 전달한 것이다. 

콘텐츠들이 '선택과 집중'에 점점 힘을 실는 것 같다. 워낙 다양하게 쏟아져 나오는 만큼 이것과 저것을 모두 잡으려 하면 이도저도 되지 않기 때문이리라. 두루두루 괜찮은 평작이 아닌 차라리 괴작을 만드는 게 낫다는 것이다. 이 작품도 평작보다 차라리 괴작에 가깝다. 기존의 문법에서 탈피한 작품의 후계자 격으로, 작품을 이루는 거의 모든 면에서 개성이 너무나도 뚜렷하니 말이다. 그 개성이 저 세상에 있지 않게 이 세상으로 끌어오는 게 만든이들의 몫이자 숙제일 것이다. 

모르긴 몰라도, 이 작품은 2021년에 공개된 할리우드 최고의 애니메이션이 될 공산이 크다. 아무래도 메이저 애니메이션 스튜디오에서 만드는 작품들 안에서 최고가 나올 테고, 비록 이 작품의 판권은 넷플릭스가 소유했으나 제작한 소니가 그중 하나인 만큼 가능성이 있으며, 이 작품은 적어도 2021년이 거의 절반 정도 지나가는 이 시점에선 최고이다.