[신작 영화 리뷰] <남산의 부장들>

영화 <남산의 부장들> 포스터. ⓒ쇼박스

1979년 10월 26일 저녁, 중앙정보부장 김규평(이병헌 분)이 박통(이성민 분)과 경호실장 곽상천(이희준 분)을 암살한다. 부하들도 경호원들을 제압해 장악에 성공한다. 시간은 40일 전 미국으로 돌아간다. 전 중앙정보부장 박용각(곽도원 분)이 미국 하원 청문회에서 박통의 실체를 까발리며 전 세계 특히 한국에 큰 충격을 안긴다. 청문회도 청문회였지만, 진짜 문제는 박용각의 회고록이었다. 기록으로 남긴 박통의 실체 말이다.

김규평이 긴급히 파견되어 박용각을 만나 회고록을 회수한다. 하지만, 박용각의 말에 김규평이 흔들리기 시작한다. 명실상부 자타공인 중앙정보부장이 대한민국의 2인자이지만, 박통의 스위스 비밀계좌의 실체를 알고 직접 관리하는 '진짜 2인자'가 따로 있다는 말이었다. 한국으로 돌아온 김규평, 청와대에선 곽상천이 박통을 신처럼 생각하며 기어오르고 미국 대사는 박통의 스위스 비밀계좌 실체를 캐어 폭로하겠다며 협박하며 전국적으로 반(反) 박통 시위가 불을 붙고 있다. 와중에 급기야 박용각의 회고록이 발간된다. 

박통이 자신을 멀리하는 듯, 박용각의 말이 계속 생각나, 괴로워하는 김규평. 박통은 그에게 묻는다. 이제 내려와야 하느냐고, 언제 내려왔으면 좋겠냐고. 이에 그는 언제나 박통 곁을 지키겠다는 대답을 할 뿐이다. 하지만 쉬워 보이진 않는다. 박용각에서 시작된 코리아게이트의 파장이 줄어들 기미가 보이지 않기 때문이다. 그런가 하면, 박용각은 역으로 김규평에게 제안한다. 함께 박통을 끌어내리자고 말이다. 김규평은 선택해야 했다. 박용각인가, 박통인가. 박통인가, 박용각인가. 

실화 사건에 미시적이고 개인적 의미를 부여하다

영화 <남산의 부장들>은 지난 2015년 <내부자들>로 큰 파장을 일으킨 바 있는 우민호 감독의 2020년 첫번째 웰메이드 한국영화 기대작이다. 그는 2010년과 2012년에 김명민을 내세운 두 편으로 적절히 성공과 실패를 오가고, <내부자들>로 1000만 명 가까이 동원하며 흥행과 비평 양면에서 성공을 거둔 후 <마약왕>으로 흥행과 비평 양면에서 망하고 말았다. 그의 롤러코스터 필모를 보면 <남산의 부장들>은 <내부자들>처럼 흥행과 비평 양면의 성공을 예상할 수 있다. 

영화는 동아일보에서 30여 년간 기자로 일했던 김충식 현 가천대학교 부총장이 1990년부터 2년 여간 동아일보에 연재해 책으로 내놓아 베스트셀러가 된 <남산의 부장들>을 원작으로 한다. 책은 제목처럼 남산의 부장들, 즉 박정희 대통령 시절 중앙정보부장들 이야기를 전한다. 반면, 영화는 각색을 거쳐 축약되고 변경되어 박정희 시절의 마지막 중앙정보부장 김재규 이야기를 전한다. 

당연한듯 1026 사건을 메인으로 내세웠는데, 그 의미와 논란의 영향력이 타 사건들과의 비교를 불가하기 때문일 것이다. 하지만 정작 영화를 보면 사건의 파급력 때문만은 아니라고 생각되는 것이, 영화적 상상력이 사건의 핵심과 주위를 파고들어 자연스럽게 자리를 차지할 수 있는 여지가 충분했다고 생각되기도 한다. 영화는 그 상상력에 사건의 거시적이고 사회 역사적 의미 대신 미시적이고 개인적 의미를 부여했다. 

대사건의 이면, 한낱 개인의 욕망

1026 사건을 우리는 너무 잘 알고 있다. 김재규 부장이 박정희 대통령과 차지철 경호실장을 직접 죽였다는 사실뿐만 아니라, 참모총장을 데리고 남산이 아닌 육군본부로 향해 체포당하고 만 역사적 유턴의 사실도 잘 알고 있다. 그리고 재판에서의 최후진술에 따르면 거사의 이유가 민주주의에 있다는 사실도 잘 알려져 있다. 그동안 수많은 드라마와 다큐멘터리가 충실하게 이 사건을 다루었다. 개인적으로 임상수 감독의 영화 <그때 그사람들>이 인상 깊게 남아 있다. 사건에 관계된 이들 모두가 거기서 거기인 쓸모 없는 인간군상의 일부분일 뿐이라는 시선. 

<남산의 부장들>은 어떨까. 박통을 두고 세 명이 전 정보부장 박용각과 현 정보부장 김규평과 현 경호실장 곽상천이 엎치락뒤치락 이리저리 휘둘리는 모양새이다. 거기엔 대국적이고 거시적인 정치 소양보다 지극히 개인적이고 미시적인 욕망이 자리잡았다. 한 나라의 역사를 뒤흔들고 뒤엎을 만한 대사건의 이면에 한낱 개인의 치졸하기까지 한 욕망이 절대적으로 작용했다는 상상력 어린 사실이 흥미로운 한편 씁쓸하다. 

영화는 씁쓸함보다 흥미로움이 보다 크게 작용하게 하였다. 전체적인 기조는 김규평이 올바른 것처럼 보이지만, 그가 행한 여러 선택과 행동을 보고 있노라면 그 또한 박용각이나 곽성천과 다를 바 없는 욕망의 하수인일 뿐이라는 생각이 든다. 박통이야말로 욕망의 하수인이 아닌 화신이다. 그는 지극히 하찮은 욕망을 발산하는 데 있어 2인자 부장들을 철저히 이용해 마치 대국적인 것처럼 보이게 하는 것이다. 절대적 1인자의 욕망 앞에 2인자들이 할 수 있는 건, 헤어나올 수 없는 충성경쟁뿐이다. 

인물 지향의 개인적 이야기

영화에서 눈여겨 볼 건, 사건 아닌 인물이다. 즉, 영화가 다루는 사건 아닌 사건을 다루는 영화 자체인 것이다. 영화의 상상력이 향하는 곳은 의외로 사건이 아닌 인물이기에, 특히 김규평의 변화를 들여다보면 흥미롭다. 박통을 향한 흔들림 없던 눈빛이 박용각의 말과 곽상천의 행동과 비서실장의 부추김으로 흔들리고, 자신도 모르게 서서히 고조되며, 결국 박통 때문에 폭발한다. 어떻게 보면, 충성경쟁도 아닌 권력다툼도 아닌 어린애들끼리 치고박는 다툼으로밖에 보이지 않기도 한다. 몇몇 친구들이서 한 명을 왕따시키는 모양새이기도 하다. 

모두가 아는 사건의 이면을 설득력 있는 상상력으로 복원하는 작업은 오로지 픽션밖에 할 수 없는 일이다. 영화의 기본이 픽션이라고 한다면, 영화가 가장 잘 할 수 있는 일이거니와 영화가 해야만 하는 일이기도 하다. 영화 <남산의 부장들>은 아주 잘 해내었다고 생각한다. '사건' 정황상 "그럴 수도 있겠구나"가 아닌 '인간'이라면 아무렴 "그랬겠다"라는 확신이 드는 것이다. 

이런 식의 리메이크라면 언제든 환영이다. 역사를 바꾼 주요한 사건들의, 인물 지향의 개인적인 이야기 말이다. 결국 역사는 인간의, 인간에 의해, 인간을 위해 흘러가기 마련이다. 하지만 대부분의 역사는 인간이 쏙 빠지고 대신 사건과 인간에의 상징이 자리를 대신한다. 하여, 우리들의 역사가 아닌 그들만의 역사가 되고 만다. 역사를 우리들 곁으로 끌어내리는 작업이 필요하다. 보다 하찮고 의미 없이 계획 없이 명분 없이 저질러버린 역사의 진면목을 되살릴 필요가 있다. 또 다른 <남산의 부장들>을 기대해본다. 

[신작 영화 리뷰] <디에고>

다큐멘터리 영화 <디에고> 포스터. ⓒ워터홀컴퍼니(주)

전설 또는 레전드라 일컬어지는 스포츠 스타 중 여전히 현역에 있는 이는 많지 않다. 현역이라 함은 선수뿐만 아니라 코치나 감독 등으로 경기를 함께 하는 이라 말할 수 있을 텐데, 눈 씻고 찾아봐도 찾아내기 힘들다. 대부분, 현역 실무직에서 물러나 한 자리씩 꿰차고 있는 것이다. 와중에, 여전히 전 세계를 누비며 감독으로 현역에서 활동하고 있는 전설이 있다. 그 이름도 찬란한 디에고 마라도나. 

그는 선수로서의 현역에선 일찍 물러나 30대 중반부터 감독 생활을 했는데, 빛을 보진 못한 케이스이다. 아예 빛을 볼 생각을 하지 않겠다고 결정한 것일까, 지난 2017년부터 하위권 팀들을 도맡고 있다. 그는 어딜 가든, 어느 팀을 맡든, 여전히 전 세계적인 관심을 받는다. 2018년 당시 멕시코 2부 리그 도나도스 데 시날로아를 맡은 이야기가 넷플릭스 오리지널 다큐멘터리 <시날로아의 마라도나>로 만들어진 걸 보면 알 수 있다. 현역 시절부터 꼬리표처럼 그를 따라다녔던 극단의 단어들 '신'과 '악마', '영웅'과 '배신자' 등이 지금도 여전히 그를 따라다니는 것이다.  

여기 그를 주제로 한 다큐멘터리 영화 한 편이 우리를 찾아왔다. 아시프 카파디아 감독의 천재 3부작 중 마지막 <디에고>이다. 그의 지난 두 작품은 <세나: F1의 신화>와 <에이미>이다. 일찍 세상을 뜬 두 명의 천재 전설에 이어, 여전히 세상을 뒤흔드는 한 명의 천재 전설을 내보이는 것이다. 지난 2008년 선보인 <축구의 신: 마라도나> 이후 10여 년만에 나온 마라도나 다큐멘터리이다. 이 작품 역시 아시프 카파디아 감독의 특징이 고스란히 내보여지는데, 오로지 옛 영상 자료와 얼굴 없는 현 목소리로만 구성했다. 자료로만 스토리텔링을 만들어낸 것이다. 

'디에고'와 '마라도나'

다큐멘터리 <디에고>는 '디에고'로서의 마라도나와 '마라도나'로서의 디에고를 모두 보여주려 한다. 무슨 말인고 하면, 디에고는 빈민가 출신의 수줍음 많고 다정한 남자인 반면 마라도나는 최고의 축구 선수로 미디어와 대중을 사로잡을 수 있는 슈퍼스타이다. 그를 잘 알고 있는 이라면 디에고였을 테지만, 대부분의 이들에게 그는 마라도나였다. 

마라도나는 떡잎부터 알아본다는 말을 증명하듯 일찍이 10대 중반에 충격적인 프로 데뷔로 아르헨티나를 뒤흔들었다. 10대 후반에는 세계 청소년 월드컵에서 원맨쇼로 나라를 우승시키고 본인은 최우수선수로 뽑혔는데, 약관 20세부터는 이미 남미의 왕이었다. 당연한 수순인듯 그가 향한 곳은 스페인의 바르셀로나, 당연한듯 당시 최고 이적료를 경신한다. 

기대에 호응하듯 엄청난 퍼포먼스를 펼쳤지만, 질병으로 고생하고 악질적인 태클로 선수생활 자체가 끝장날 위기에 처한다. 몇 개월의 피나는 재활 후 돌아온 그는, 여전한 퍼포먼스를 펼치는데 여전한 악질적 태클로도 고생한다. 결국 참지 못한 마라도나는, 이탈리아로 건너간다. 세리아 A는 당대 최고의 리그로 유벤투스, 인테르, AC 밀란 등 유럽을 호령하는 클럽들이 즐비했다. 하지만 그가 향한 곳은 리그 우승 한 번 없는 하위권의 그렇고 그랬던 팀 나폴리. 마라도나 신화가 시작되어 끝난 곳, <디에고>가 천착한 때와 장소이기도 하다. 

마라도나의 삶이 곧 그의 나폴리 시절

작품은 보여준다. 마라도나의 삶이 곧 마라도나의 나폴리 시절이라고 말이다. 1984년 이적 후, 1986~87 시즌부터 믿을 수 없는 행보를 보인다. 축구는 축구장 위의 11명과 감독을 비롯한 수많은 스태프 그리고 팬들이 함께 하는 거라고 하지만, 마라도나에겐 해당되지 않았다. 모든 관심과 기대가 그에게 쏠렸고, 그는 '무대' 위에서 완벽히 소화해냈다. 나폴리는 1986~87 시즌 사상 최초의 1부 리그 우승을 일구고 다음 해와 다다음 해에는 준우승 그리고 1989~90 시즌 다시 우승을 차지한다. 1988~89 시즌에는 전무후무한 유럽대항전 UEFA컵을 따냈다. 

자타공인 마라도나의 나폴리 시절 나폴리의 퍼포먼스는 100% 마라도나에 의한 것이리라. 더 위대한 건, 나폴리 사람들이 마라도나를 말 그대로 '신'으로 추앙했던 건, 축구 안뿐만 아니라 밖에서의 그의 인기이다. 나폴리라는 축구클럽은 제처두고서라도, 나폴리라는 도시 자체가 당시 이탈리아에서 가장 천대받고 또 꺼려하던 곳이었다. 그런 곳에 입성해 축구 열기를 수직 상승시켰고 도시 전체에 활기를 불어넣었다. 도시를 하나로 묶어 사회, 경제, 문화를 풍성하게 했으니, 마라도나는 도시를 구성하는 모든 이들이 하나하나 복권을 맞은 것과 다름 아니었다. 

신에게 너무 가까이 가면 추락할 운명이라고 했던가, 마라도나에게도 추락의 순간이 찾아온다. 하지만 높이 올랐던 만큼 추락의 강도와 속도도 매우 강하고 빨랐다. <디에고>는 그 순간을 1990년 준결승전이라고 전한다. 아르헨티나는 지난 1986년 멕시코 월드컵에서 절정기 마라도나의 당연한 원맨쇼에 힘입어 우승했었는데, 이번 이탈리아에서도 다시 한 번 높이 오를 준비를 마쳤다. 그런데, 준결승전 상대가 하필 이탈리아에 장소는 나폴리... 운명의 장난인 건지, 누군가의 소행인 건지. 

나폴리는 격정에 휩싸인다. 나폴리에서의 마라도나는 말 그대로 신, 하지만 이탈리아인에게 축구는 역시 말 그대로 신이기에 이탈리아 대표님의 승리와 높은 곳으로의 행보는 당연한 것이었다. 결과는, 승부차기까지 가는 접전 끝에 마라도나의 아르헨티나 승리. 이후 거짓말처럼 이탈리아 전역의 마라도나를 향한 마녀사냥이 시작된다. 그는 한순간 신에서 악마가 된다. 미디어, 사법당국, 세무당국 할 것 없이 그를 향해 집중 융단폭격을 날린다. 도시의 모든 사람이 잘 알고 있듯, 마라도나는 여성편력과 마약복용 등 수많은 스캔들이 함께하고 있었던 것이다. 

흥미의 대상인 천재의 내면

마라도나는 천진난만하면서 좋지 않은 의미로 자유분방한 악동의 이미지가 강하다. 굳이 미디어에서 그를 끌어내리고자 만들어내지 않고라도 말이다. <디에고>가 포착해 잡아낸 면모가 바로 그 부분인데, '마라도나'는 슈퍼스타의 압박감을 잘 받아낼 수 있었지만 '디에고'는 그럴 만한 그릇이 아니었다고 말이다. 디에고로서는 모든 생각을 잊고 놀고(여자도) 마시며(마약도) 풀 수밖에 없었다. 

자업자득이라고 말할 수도, 그만큼 올라갔으면 내려와도 괜찮지 않느냐 말할 수도 있겠다. 당연히 맞는 말인데, 거리를 두고 보면 그의 삶만큼 극단의 굴곡을 지닌 삶도 없다. 그가 오랜 시간이 지났음에도 수많은 사람들에게 물고 뜯고 즐기는 존재이자 무조건적인 존경과 추앙의 대상으로 자리하고 있는 것도 무리가 아니다. 단순히 빈민가 출신이 최고의 자리까지 올라가는 성공 스토리가 아닌, 신의 자리까지 올라갔다가 악마이자 배신자로 추락하고 말았으니 말이다. 이야기는 거기서 끝나지 않는다, 마라도나는 그만의 이야기를 계속 써내려가고 있다. 

천재의 삶은 흥미의 대상으로 소비되어 외면만 보기 마련이다. 내면을 들여다보면 천재가 갖는 흥미의 상(像)이 깨지기 때문이다. <디에고>는 과감히 천재의 내면을 들여다보려 했고 철저히 파헤치는 데 성공했다. 그럼 전달하고 받아들이는 데는 성공했을까? 성공했다. 어디서도 보지 못했던 당시 자료만으로 전했기로서니 객관적이었고, 받아들이는 입장에서는 괜찮은 스토리텔링까지 맛볼 수 있었으니 여한이 없었다 하겠다. 이 작품으로 비로소 마라도나 신화의 진면목을 접할 수 있었다. 마라도나가 만들고, 마라도나 아닌 이들이 파괴시킨 신화 말이다. 

[신작 영화 리뷰] <나이브스 아웃>

영화 <나이브스 아웃> 포스터. ⓒ올스타엔터테인먼트

라이언 존슨 감독, 70년대생의 젊은 감독으로 일찌감치 2000년대에 훌륭한 장편 데뷔식을 치렀다. 이후에도 장르에 천착한 작품을 내놓던 그는, 2010년과 2012년 미국 역사상 최고의 드라마로 손꼽히는 <브레이킹 배드> 시즌 3과 5에 참여했다. 그러곤 꽤 오랜 시간이 흐른 2017년에는 <스타워즈: 라스트 제다이>로 혹독한 블록버스터 데뷔식을 치렀다. 

그에겐 장르물을 세련되게 직조할 재능이 있었고, 미스터리물로 장편 데뷔를 했던 만큼 관심 또한 많았다. 평소 미스터리 탐정물에 지극히 천착하고 탐닉했다고 하는데, 실로 오랜만에 돌아왔다. 2019년 후반기 북미 개봉작 중 <포드 V 페라리>와 더불어, 평단과 대중 할 것 없이 호평일색임에도 상응하는 폭발적 흥행을 하진 못한 작품 <나이브스 아웃>이다. 상징적인 1억 달러 돌파는 이뤄냈지만 말이다. 

결론부터 말하자면, 왜 이 영화가 호평일색이었는지 아주 잘 알 것 같은 한편 왜 흥행을 하지 못했는지도 역시 아주 잘 알 것 같다. 기막힌 캐스팅은 차치하고서라도 시종일관 빈 곳 없이 꽉 차고 알찬 스토리가 영화를 접한 모든 이들을 잡아 끌 것이다. 반면, 영화로 이끄는 힘은 부족할 수 있다. 미스터리 탐정물 영화 흥행의 역사가 방증하지 않는가. 물론 근래 보기 드문 완벽한 오리지널 미스터리 탐정물임에는 분명하다. 

대저택에서 사망한 베스트셀러 추리소설가

85세 생일을 맞은 베스트셀러 추리소설가 할런 트롬비는 모든 가족을 불러 대저택에서 파티를 연다. 손자 랜섬과의 다툼이 있었다곤 하지만 별 탈 없이 끝난 파티, 하지만 할런은 다음 날 목의 자상에 따른 과다출혈로 방에서 사망한 채 발견된다. 장례식을 치른 일주일 후 추도식을 위해 모인 가족들에게 경찰과 사립탐정 블랑이 들이닥친다. 자살이 아닌 범죄사건일 수 있다며 가족들 하나하나를 심문한다. 

가족들 모두 뭔가 이상하다. 경찰과 블랑의 심문에, 문제 될 소지가 있지만 중요한 할런과의 대화를 숨기는 게 아닌가. 하나같이 돈에 관련된 것이다. 합리적 의심으로, 가족 중 누군가가 돈 때문에 할런을 살해 또는 죽음에 이르게 할 수 있겠다 싶지 않은가. 그런데 생각 외로 범인이 금방 밝혀진다. 다름 아닌 할런의 간병인 마르타로, 그녀는 거짓말을 생각만 해도 토를 하는 질환을 앓고 있었다. 

원래는 경찰과 블랑이 거짓말을 못하니 믿음이 가고 가족처럼 지냈지만 가족은 아니니 유산이나 돈을 탐낼 이유도 없는 마르타를 데리고 다니며 저택과 가족을 탐문했는데, 유언장 낭독식에서 가족 중 누구도 아닌 마르타가 모든 유산을 받게 되며 가족들에게 온갖 욕과 시달림을 받아 밖으로 도망친 것이다. 그녀가 도망치게 도운 이가 있으니, 할런의 개망나니 손자 랜섬이다. 그녀는 범죄 사실을 그에게 털어놓고 이상한 동행을 하며, 랜섬이 유언을 그대로 집행하게 도우는 대신 랜섬에게 랜섬 몫의 유산을 주기로 한다. 이 동행은 어떤 결말을 맞게 될까?

스토리, 반전, 분위기까지 완벽에 가깝게 내보이다

영화는 정통 고전 추리물의 형태를 완벽에 가깝게 내보인다. 이런 말을 굳이 왜 하는고 하니, <나이브스 아웃>은 흔치 않게도 원작이나 실화를 모티브로 재탄생시킨 작품이 아니라 라이언 존슨 감독의 오리지널이기 때문이다. 결론부터 말하자면, 대단한 원작을 옮긴 영화들도 해내지 못한 걸 이 영화는 해냈다. 이 영화가 대단한 이유, 이 감독이 범상치 않은 이유이다. 

이 영화가 해낸 건, 빈틈 없이 짜맞춘 스토리와 알면서도 당하는 반전과 추리 작품 특유의 음산한 분위기와 자연스럽게 전하는 사회 비판적 메세지까지 거의 모든 것이다. 스토리는 추리 과정과 다름 아니다. 사립탐정 블랑의 위주로 세밀하게 펼쳐지는 추리 이면에는 심문 당하는 이들의 일그러진 욕망이 도사리고 있다. 

추리 하면 으레 생각나는 반전도 깔끔하다. 마지막에 모든 걸 뒤엎는 반전의 시대도, 시종일관 반전에 반전이 이어지는 시대도 갔다. 수준이 한껏 높아진 지금은 자연스러운 스토리텔링의 반석 위에 깨달음과 통찰이 오가는 반전의 시대인데, 이 영화가 보기 좋게 해냈다. 보는 사람으로 하여금 의심의 시선을 합리적으로 여기저기 향하게 만드는 데 도가 튼 느낌이다. 

분위기야말로 추리 콘텐츠에서 반은 먹고 들어가는데, 설정과 매우 맞닿아 있다. 대저택에서 벌어진 가족의 절대적 가장에게 벌어진 석연치 않은 죽음이라는 설정이 분위기 형성에 큰 역할을 했다 하겠다. 심상치 않은 캐릭터들도 한몫하는데, 여지없이 돈으로 똘똘 뭉친 가족들과 돈에는 관심없는 듯한 개망나니와 모든 가족들의 신뢰 또는 무관심을 한몸에 받고 있는 외부인까지 말이다. 

가족과 욕망과 돈, 그리고 불법체류자의 현실

추리 콘텐츠가 대망의 빛을 발하는 부분은 의외로 메시지에 있다. <나이브스 아웃>은 누구나 느꼈을 만한 가족과 욕망과 돈이라는 명백한 키워드가 있다. 천륜으로 이어진 가족, 각각의 욕망은 다를 테지만, 하나같이 시선이 향하는 건 돈이다. 사실, 영화의 시작과 끝도 이 키워드들 안에서 벗어나지 않는다. 다만, 거기에 얹혀지는 건, 얹혀져야 하는 건 당대의 현실이다. 

영화는 지금 가장 첨예한 문제 중 하나인 불법체류자의 현실을 다룬다. 할런의 간병인 마르타는 남미 어딘가의 출신으로, 가족 전체가 불법체류 중이다. 영화 중반도 되지 않아 이미 마르타가 범인이라는 걸 알린 이유가 여기에 있다 하겠다. 스토리에서는 그녀가 거짓말을 못하는 설정 때문이라고 하지만, 메시지에서는 그녀가 불법체류자이기 때문이라는 말이다. 

작중 인물들 중 그녀가 파라과이 출신인지 우루과이 출신인지 에콰도르 출신인지 브라질 출신인지 아는 사람이 없다. 그녀가 라틴계 남미 사람인 것만 알 뿐 나머진 상관 없다는 뜻일 것이다. 그런가 하면, 할런이 자살 아닌 타살 가능성이 높다고 결정되고 나서도 사실상 그녀를 용의선상에서 제외해버린다. 이는 그녀를 사람 취급하지 않는 행위나 마찬가지인 것이다. 하여 그녀가 할런의 모든 유산을 받게 되었을 때 가족들은 황당, 당황, 분노를 금치 못하지만 보는 이는 통쾌하다. 부정(不正)되었던 존재의 합당한 부상(浮上)은 항상 그러하다. 

[신작 영화 리뷰] <속물들>

영화 <속물들> 포스터. ⓒ(주)삼백상회

유명 팝아트 작가 찰스 장의 작품을 대놓고 차용한 '차용미술'로 당당하게 활동하는 미술가 선우정, 제목도 <표절 1> <표절 2> 등이다. 참신하다면 참신하달 수 있는, 나름의 전통과 계보가 있는 미술 방법이랄 수도 있겠지만, 누가 봐도 모사이고 표절이고 베낀 것이다. 결국 그녀는 어렵게 잡은 전시회에 방문한 찰스 장을 가격해 고소를 당한다. 

한편 그녀는 애인 김형중와 동거 중인데, 사실 돈이 없어 얹혀사는 거나 다름 없었다. 고소를 당하든 말든 주저앉아 있을 수 없는 것이다. 그녀 앞에 유민 미술관 큐레이터 팀장 서진호가 나타나 촉망받는 신진 작가들 특별 프로젝트를 제안한다. 받아들이는 선우정, 그들은 잠자리까지 갖고 가까워진다. 와중에 느닷없이 선우정의 고교 동창 탁소영이 나타나 선우정, 김형중, 탁소영의 기묘한 동거가 시작된다. 

유민 미술관 총감독 유지현은 서진호를 내치고 그 자리에 후배 김형중을 앉히려 한다. 기자로 일하고 있는 김형중은 그 제안을 받아 들인다. 서진호는 극구 버티며 김형중과의 기묘한 투 팀장 체제를 이어간다. 선우정은 찰스 장과의 재판에서 패하며 전시회도 끊겨 서진호에게 기댈 수밖에 없게 된다. 하지만 하필 서진호와 경쟁하는 이가 애인 김형중이라니... 탁소영은 김형중을 유혹하고, 선우정은 유지현을 찾아가 도움을 청하려 하는데... 이 5명 안에 도사린 욕망의 정체는 무엇일까? 그들 관계의 앞날은?

신정아 사건을 모티브로 

영화 <속물들>은 신아가, 이상철 감독 콤비의 2번째 장편영화이다. 2011년 <밍크코트>로 장편 데뷔를 한 그들은, 이듬해 박정범 감독과 함께 옴니버스 영화 <어떤 시선>을 내놓고 실로 오랜만에 뭉친 것이다. 독립영화 치곤 꽤 이름이 있는 배우들이 이름을 올렸는데 유재명, 유다인, 송재림, 심희섭 등이 그들이다. 영화를 향한 신뢰요소를 상당 부분 충족시켰다고 할 수 있겠다. 

그런가 하면, 영화의 모티브가 되는 사건 또한 우리가 익히 들어 알고 있다. 2007년 당시 세상을 떠들썩하게 한 '신정아 사건'이다. 동국대 교수였던 그녀는 젊은 나이에 승승장구하며 '미술계의 신데렐라'로 불렸는데, 하루아침에 학력 위조와 공금 횡령과 정계로비 스캔들로 무너져 모든 걸 잃고 감옥에 간다. 석방 후 자전 에세이 <4001>을 써내 다시 한 번 큰 파문을 일으킨 바 있다. 

영화 속 선우정이라는 캐릭터가 신정아에서 나왔을 것이다. 큰 틀에선 미술계 이야기이지만, 다른 건 선우정은 큐레이터가 아닌 미술작가라는 것. 오히려 실제보다 범죄에 중하는 짓을 한 가지 더 붙여놨다. '차용미술' 말이다. 결론부터 말하자면, 차용미술은 엄연히 존재하는 방법론이자 사조이다. 단, 그 과정의 끝에 명명백백한 새로운 가치가 생겨나야 하겠다. 영화에선 선우정의 일방적이고 무가치한 주장으로 보인다. 

진짜 속물은 누구인가

영화는 차용미술이라는 이름의 표절 작가 선우정의 우여곡절 치열하고 아득바득 치졸한 욕망의 무분별한 발산과 그녀를 둘러싼 여러 인물들의 보다 더럽고 비열한 욕망의 분출이 큰 두 축을 이룬다. 선우정을 향한 이해불가의 물음과 인색한 조롱의 시선이 점차 여타 인물들을 향한 한숨과 욕지거리로 변하는 걸 발견할 수 있을 것이다. 자연스레 진짜 '속물'은 누구인가 찾게 된다. 

사실 영화에서 차용미술이니 표절이니 하는 건 수단에 불과하다. 그리 중요하지 않을 수 있다. 능력이 모자란 미술작가 선우정이라는 캐릭터가 욕망을 발산하는 방법의 하나로 가장 적나라하게 표현한 것이리라. 그녀의 목적은 오직 하나, 미술계에서 살아남아 명성을 얻고 돈을 많이 벌어 시궁창 같은 현실에서 벗어나는 것이다. 발버둥 치는 모습이 남일처럼 느껴지거나 보이지만은 않는다. 

비록 방법은 잘못 되었지만 그녀의 모습은 우리네와 크게 다르지 않은 것 같다. 도와줄 사람도, 끌어줄 사람도, 꽂아줄 사람도 없이 그저 열심히 하며 버티고 있을 뿐, 다른 방도가 없다. 하여, 현실적으론 선우정을 비호할 수 없기는커녕 강력히 매도해야 하지만 영화적으론 왠지 짠해 응원하고 싶어진다. 태생부터 대놓고 속물인 그녀가 다른 속물들보단 차라리 낫지 않겠나 하면서 말이다.

욕망으로 점철된 인물들의 면면

'약자' 선우정을 둘러싼 여러 인물들의 면면을 들여다 보면 가관도 아니다. 두두러지진 않지만 속물의 최종보소와 같은 유지현은 진정 '나쁜 놈'이 아닐까 싶다. 그는 저 위에서 모든 걸 좌지우지하며 본인 손엔 똥도 피도 묻히지 않는다. 성인군자처럼 보이기도 하고 말이다. 잘 숨겨왔던 선우정의 과거를 잘 알고 있는 듯한 탁소영 또한 한몫하는 속물이다. 선우정이 본인 스스로 속물임을 드러낸다면, 탁소영은 다른 사람들이 그녀를 두고 속물이라고 생각하는 경우다. 하여, 선우정의 욕망은 탁소영을 향하지 않지만 탁소영의 욕망은 선우정을 향한다. 

여기 은근슬쩍 속물인 두 사람이 있다. 선우정을 두고 옥신각신하는 듯하지만, 유지현에게 놀아나기도 한 김형중과 서진호이다. 그들은 선우정과 연인과 내연 관계로 얽혀 있지만, 사실 유지현의 대변인이자 적대 관계로 얽혀 있다고 보는 게 맞다. 유지현의 유민 미술관 팀장 자리를 두고 척을 둔 두 사람은, 유지현의 미술 권력 유지 대리전을 치르는 것이다. 

영화는 진중한 드라마로 욕망의 치열함을 최대한 발휘시키는 대신, 블랙코미디 요소를 적절히 섞어 욕망의 치졸함을 최대한 발휘시킨다. 고로, 시종일관 웃음이 끊이지 않으니 의도는 성공적으로 보였다고 할 수 있겠다. 허무하면서도 찰진 대사와 보는 사람만 웃기게 하는 무표정한 표정이 압권이다. 욕망이란 게 하등 진지할 것 없이 이리도 하찮은 것이구나 하고 저절로 체득하게 되는 것이다. 우린 누구나 속물일 테지만 누구도 스스로 인지하고 있지 못하지 않나. 이 욕망의 화신인 속물들의 면면들을 재밌게 대하며 은근히 인지하게 되는 것도 나쁘지 않을 듯하다. 

[신작 영화 리뷰] <포드 V 페라리>

영화 <포드 V 페라리> 포스터. ⓒ20세기폭스코리아

1990년대 중반 데뷔해 난다긴다 하는 할리우드 톱스타들과 작업해온 제임스 맨골드 감독, 그의 작품은 <헤비> <앙코르> <나잇 & 데이> <로건>과 같이 대부분 평단과 대중의 고른 지지를 받았지만 <더 울버린>처럼 길이남을 망작 소리를 듣는 경우도 있었다. 3년 정도를 주기로 꾸준히 괜찮은 영화를 내놓는 건 명백한 바, 여지없이 2019년에도 우린 그의 영화를 볼 수 있었다. 3년 정도 후면 다시 한 번 볼 수 있지 않을까 싶다. 

<포드 V 페라리>는 제임스 맨골드 감독의 필모에 걸맞게 맷 데이먼과 크리스찬 베일이라는 최고의 투톱 캐스팅으로 화제를 모은 바, 많은 영화제에 초청되며 평단의 지지를 받았고 기어이 북미 1억 불을 넘기고 전 세계적으로도 2억 불을 넘기며 손익분기점을 넘어섰다. 우리나라에서도 100만 명을 넘기며 상징적인 성공을 이루었다. 흥행요소가 많지 않았던 상황이었던지라, 오로지 영화의 힘으로 이루어낸 흥행이라 하겠다. 

영화는 1960년대 '르망 24시'에 출전하는 포드사의 GT40를 둘러싼 이야기를 전한다. 르망 24시란, 프랑스 르망에서 열리는 세계 3대 레이스 대회 중 하나로 말그대로 24시간 동안 쉬지 않고 가장 많은 랩을 돈 자동차가 우승한다. 당시 최고의 팀은 페라리였는데, 포드가 기하급수적으로 떨어지는 판매를 역변하기 위해 페라리처럼 '승리하는 자동차'로 변하고자 전직 챔피언 캐롤 셸비를 섭외하고 셸비는 켄 마일스를 섭외한다. 

포드의 르망 24시 우승을 위하여

1959년, 르망 24시에서 우승한 캐롤 셸비(맷 데이면 분)는 심장질환으로 최고의 자리에서 내려온다. 시간이 지나 1960년대, 셸비는 레이싱 디렉터로 드라이버 켄 마일스(크리스찬 베일 분)와 함께 로컬 대회에 참가해 우승한다. 하지만, 정비소를 운영하고 있던 마일스가 최악의 판매 수완으로 세금 체납이 되어 정비소가 넘어가자 레이스를 접고 생계에 전념한다. 

한편, 포드사는 전례 없는 판매 부진으로 골머리를 썩고 있다. 방법을 가지고 오라는 회장의 말에 마케팅 총괄 리 아이아코카는 레이싱 대회 르망 24시의 절대 패자 페라리의 섹시, 강함, 승리 공식을 포드에 입혀야 한다고 역설한다. 그들은 방법을 일환으로 페라리 인수를 진행하지만, 엔초 페라리의 막판 뒤집기로 철회된다. 큰 한 방을 먹은 회장은 르망 24시 출전에 이어 페라리를 이길 것을 천명한다. 

아이아코카는 셸비를 찾아가고 셸비는 마일스를 찾아간다. 마일스는 큰 액수를 받으며 받아들이고, 셸비는 자신만의 방식으로 일을 진행시키고자 한다. 하지만, 입김 센 부사장 레오가 자신의 입맛에 맞는 드라이버를 내세우려 마일스를 내치려 한다. 계속되는 우여곡절, 셸비와 마일스는 수많은 역경을 뚫고 르망 24시에서 우승할 수 있을까? 그들의 르망 24시 우승은 누구를 위한 것일까?

누구도 대체할 수 없는 셸비와 마일스

<포드 V 페라리>는 얼핏 포드로 대변되는 미국 근현대사 자본주의의 승리를 보여주려 하는 것처럼 보일지 모른다. 페라리로 대변되는 유럽 장인 정신을 돈으로 매수 혹은 깔아뭉개버리려는 포드의 의도를 두 주인공 셸비와 마일스가 충실히 실행에 옮기고 있지 않은가 말이다. 하지만, 영화는 중점을 철저히 셸비와 마일스 두 개인에게 둠으로써 진정한 적은 페라리가 아닌 포드 고위층이라고 말하고 있다. 

1960년대 르망 24시는 페라리의 우승으로 시작해 1965년까지 6년간 절대적 패자로 군림하고 있었다. F1을 능가하는 세계 최고의 레이싱 대회인 만큼 우승이 상징하는 바 또한 절대적이었다.(참고로 1970~90년대까지 포르쉐가, 2000~10년대까지 아우디가 절대적 우위를 지키고 있다. 두 브랜드 모두 누구나 선망해마지 않는다는 사실이 방증하는 이 대회의 영향력을 느낄 수 있다.) 공장양산식 자동차 회사 포드는 당연히 이 대회에 출전해본 경험조차 없기에 그 영향력을 잘 몰랐는데, 아이아코카가 일깨워준 것이다. 

그래서 당대 최고의 자동차 디자이너이자 레이싱 디렉터 셸비를 데려왔고 그가 믿어마지 않는 드라이버 마일스도 참여시켰다. 문제는, 포드사 자신에게 내제되어 있는 절대적 자부심과 돈이면 다 된다는 대량생산체제 포디즘에 대한 믿음이었다. 그들은 셸비와 마일스 레이싱팀을 그저 부품의 하나로 여겼다. 셸비와 마일스는 자신들을 누구도 대체할 수 없는 절대적 존재로 여겼고 말이다. 

하여, 셸비와 마일스는 뚫고 가야 할 역경들이 많았다. 셸비로선 말도 안 되는 짧은 시간 안에 장인정신으로 무장한 당대 최고의 페라리보다 빠르고 튼튼한 자동차를 만들어야 하고, 마일스로선 지극히 개인적이고 가족적인 세세한 일들을 처리하는 동시에 세계 최고의 레이싱을 펼쳐야 했으며, 셸비와 마일스로선 포드의 꽉 막힌 고위층을 어르고 달래는 한편 강하게도 대해서 본인들만의 스타일로 레이스에 임해야 했다. 

레이싱 영화의 이정표가 되다

우린 잘 알고 있다. 1966년부터 4년간 포드 GT40가 르망 24시를 점령했다고 말이다. 이후 40년이 지난 지금까지 포드는 르망 24시에서 우승한 적이 없으니, 당시는 포드뿐만 아니라 르망 24시를 비롯 모든 레이싱 대회의 신화로 남아 있다. 그만큼 포드의 도전은 매우 인상깊게 그리고 흐믓하게 또는 착하게 남아 있는 것이다. 인간은 때론 어쩔 수 없이 약자의 편을 들게 마련이지 않은가. 

하지만, 영화를 보면 그 치졸한 이면에 치를 떨지 모른다. 포디즘으로 대변되는 현대 자본주의 사회의 중추였던 포드사가, 적어도 1960년대 중반 르망 24시의 위대한 도전에 있어서만큼은 인간적이었다고 생각했었는데 말이다. 그때 역시도 그들은 포디즘의 신봉자 또는 노예로서 사람을 부품으로 대했고 돈이야말로 부품을 움직일 수 있는 절대적이고 유일한 하나라고 생각했던 것이다. 페라리에 대적하면서도 포드에 대적한 셸비와 마일스야말로 위대한 도전을 이끈 장본인이다. 그들은 그들 자체였지 '포드'의 셸비와 마일스가 아니었다. 

영화는 천천히 우직하게 단계를 밟아 서사를 진행한다. 셸비와 마일스와 포드와 페라리까지, 영화를 구성하는 모든 퍼즐들을 내보이며 각개약진을 해보이면서 한편으론 서로 얽히고설키게 끊임없이 자리를 마련한다. 그 모습이 조금은 지루해질 만한 타이밍이 도래할 때면 여지없이 화려하기 그지없는 자동차들과 긴박함 넘치는 레이싱 장면이 화면을 가득 채운다. 스토리와 영상의 조화가 완벽한 것이리라. 거기에 두 주인공, 특히 연기의 신이라고 해도 과언이 아닐 크리스찬 베일의 연기가 확 끌어들이게 하여 중심을 잡는다. 

레이싱 대회가 갖는 영광과 인기에 비해 레이싱 영화가 만들어지는 횟수나 인기는 많지 않다. 단순하게 영화를 만들기가 쉽지 않을 테고, 잘 만들어도 흥행에서 성공하기 힘들 것이다. 차라리 수십 년 전에 더 자주 만들어지고 더 좋은 레이싱 영화들이 나왔다. 최근이래야 2013년에 나온 <러시: 더 라이벌> 정도가 있으려나? 와중에 나온 <포드 V 페라리>는 하나의 이정표이자 절대적 큰 산이 될 요량이 크다.

[편집자가 독자에게] <세계사를 뒤흔든 스페인의 다섯 가지 힘>

<세계사를 뒤흔든 스페인의 다섯 가지 힘> 표지. ⓒ유노북스

2014년이었던 것 같아요. <꽃보다 할배> 시리즈 두 번째로 '스페인편'이 선보였죠. 이후 예능 프로그램에서 한동안 스페인이 나오지 않다가 2018년부터 블루칩으로 급부상합니다. <윤식당 2>를 시작으로, <같이 걸을까> <스페인 하숙> <세빌리아의 이발사>까지 2018~19년을 관통합니다. 특히 <윤식당 2>와 <스페인 하숙>은 최고 시청률 10%가 넘는 엄청난 기록을 남겼죠.

스페인을 향한 관심이 이리도 집중된 건 어떤 이유일까요. 열정과 태양과 다채로움으로 대변되는 전형적인 스페인의 매력도 큰 몫을 차지할 것입니다. 무엇보다 스페인은 세계 최고의 관광대국으로 유명하니까요. 압축된 힘이 언제든 폭발해도 이상할 게 없었습니다. 하지만, 과연 그게 전부일까요? 좀 더 들여다보니 매력뿐 아니라 '힘'이 작용하지 않을까 싶었습니다.

이 책 <세계사를 뒤흔든 스페인의 다섯 가지 힘>(유노북스)은 그런 의문에 이은 확신에서 비롯된 기획으로 시작되었습니다. 사실, 기획 시작 단계에선 '스페인어'가 중심이었습니다. 유명한 베스트셀러 <라틴어 수업>(흐름출판)의 라틴어처럼, 해당 언어의 상징적인 문장으로 그 나라를 속속들이 들여다보고 싶었던 것이죠.

하지만, <라틴어 수업>은 '라틴어'가 지금은 쓰이지 않는 사어이자 옛날 고어인 동시에 서양 문화의 주춧돌이라 할 만한 언어였기에 가능한 기획이었고 '스페인어'는 그렇지 못했습니다. 하여, 스페인을 상징하는 키워드별로 구성을 바꾸었고 최종적으로 힘을 중심으로 한 것입니다.

쉽지 않았지만 보람 있었던 편집 작업

개인적으로 스페인을 잘 알지 못합니다. 태어나 자란 한국도 잘 안다고 자랑스럽게 말할 수 없는 만큼, 다른 나라를 잘 안다는 건 어불성설이겠죠. 그래서일까요. 이 책의 편집은 결코 쉽지 않았습니다. 아니, 매우 어려웠죠. 주지했듯 애초의 기획과는 너무나도 다른 결과물이 되었는데, 우여곡절이 많았답니다. 스페인어가 원고의 중심이었던 만큼, 문법과 회화 파트가 큰 부분을 차지했었는데 모두 삭제했을 때가 고민이었죠.

'스페인 파워', 그중에서도 '다섯 가지'를 메인으로 내세우고 나서도 진행이 쉽지 않았습니다. 확실한 상(像)이 만들어졌지만, 오히려 그 안에만 갇혀 생각하게 되는 것 같기도 했습니다. 더 많은 걸 담아 전할 수 있을 것 같은데, 벗어날 수 없는 보이지 않는 선이 그려져 있어 한계가 보였던 것입니다. 그래서, 반대로 생각했습니다. 너무 많은 걸 담아내면 오히려 아무것도 아닌 게 될 수도 있다고 말입니다. '모든 걸' 전해줄 수 없다는 확신 하에, '거의 모든 걸' 전해주면 되겠다고 생각한 것입니다.

생각의 전환 후 저자와의 합의 하에 오히려 더 삭제에 박차를 가했습니다. 재구성, 재배열, 재교정된 목차에 따라 불필요한 정보와 생각의 조각들을 최대한 삭제하고 핵심만을 남겨 이어 붙였습니다. 저자는 당연히 많은 아쉬움과 안타까움을 표하셨지만, 보다 나은 책을 위해 흔쾌히 허락해주시고 도와주셨습니다. 개인적으로 편집자로서 보람 있는 작업이었습니다.

잘 알지 못하지만 흥미를 끌 만한 사실들

이 책의 부제는 '스페인어, 활력, 유산, 제국주의, 욕망'입니다. 이른바 '세계사를 뒤흔든 스페인의 다섯 가지 힘'을 가리키죠. 좀 더 구체적으로 들어가 각각의 힘을 대표하는 것들에는, 우리가 익히 들어 잘 알고 있는 '돈키호테, 츄파춥스, 순례길, 무적함대, 콜럼버스'가 있습니다. 모두 각 분야 즉, 문학, 브랜드, 문화유산, 세계사, 인물에서 세계 최고라고 해도 과언이 아닐 것입니다.

물론, 책에는 우리가 잘 알지 못할 만한 한편 흥미를 끌 만한 사실들이 추려 있습니다. 예를 들어보겠습니다. 스페인어는 중국어에 이어 세계 2위의 사용인구를 자랑합니다. 자그마치 전 세계 21개국의 모국어이죠. 프랑스어와 이탈리아어와 포르투갈어와 루마니아어 등과 함께 라틴어의 후예라고 할 수 있죠. 그런가 하면, 스페인은 현재 건강국가지수 1위, 근 미래 기대수명 1위, 세계 관광경쟁력 평가 1위, 태양열 발전 세계 1위, 세계 3위의 세계문화유산 보유국이자 와인 생산국이기도 합니다.

스페인 해군의 무적함대는 제국주의의 시작이라고 할 수 있을 만큼 역사상 유명세를 떨쳤지만, 스페인이 장장 800년 동안 이슬람의 식민지였다는 사실을 아는 이는 많지 않을 것입니다. 그것도 스페인의 제국주의가 시작되기 직전까지였습니다. 콜럼버스는 정작 스페인이 아닌 이탈리아 태생입니다. 한편, 스페인에는 코르테스와 피사로, 피카소와 달리, 가우디, 프랑코 등의 세계사적 인물들이 수두룩하죠. 정녕 세계사를 뒤흔든 힘이라고 할 만합니다.

다가올 2020년, 진전될 한국-스페인 관계에 보탬이 되길

곧 다가올 2020년은 한국과 스페인 양국 관계에 특별한 해가 될 것입니다. 한국-스페인 수교 70주년이 되는 해이기 때문이죠. 그와 더불어 2020~21년 2년간은 '한국-스페인 상호 방문의 해'이기도 합니다. 지금까지보다 훨씬 더 긴밀하고 풍성한 한국-스페인 관계가 2020년부터 계속될 예정이라고 생각합니다.

이미 낌새가 보이는 건, 주지한 2018년 이후의 한국 예능 프로그램 스페인 블루칩뿐만이 아닙니다. 2019년 한해에만 스페인의 한국인 방문자가 50만 명을 돌파했다는 소식이 들립니다. 지난 7년간 7배가 는 수치라고 합니다. 스페인을 알아야 할 이유로 손색없다고 봅니다. 이 책이 말하고자 하는 건, 단순히 스페인을 아는 것에 그치는 게 아니라 스페인을 아는 게 곧 세계를 보는 것과 다름 아니라는 깨달음을 알리는 것입니다.

스페인과 한국은 여러 모로 닮은꼴이기도 합니다. 기본적으로 반도 국가이고, 역사적으로 구체제 유지를 위해 나라를 고립시켰고 무능한 정부가 빼앗긴 주권을 국민들이 되찾기도 했으며 피 비린내 나는 내전 후에 독재 정권이 들어서기도 했습니다. 현대에 들어와선 경제 위기를 겪은 것도 닮았죠. 이 책 <세계사를 뒤흔든 스페인의 다섯 가지 힘>으로 스페인을 아는 데 조금이나마 보탬이 되었으면 하는 바람입니다. 

[신작 리뷰] <허슬러>

영화 <허슬러> 포스터 ⓒ 제이앤씨미디어그룹 , TCO더콘텐츠온

제니퍼 로페즈라는 사람을 잘 모른다. 역사상 가장 성공한 히스패닉계 스타 중 한 명으로, 영화계와 음악계와 사업계에서 모두 정점에 올랐던 적이 있는 전천후 능력자라는 정도밖에는. 특히 영화에서는 애니메이션 목소리가 아니면 그녀를 볼 기회는 거의 없었다. 워낙 영화 보는 눈도 없었거니와 연기를 잘 못했으니까 말이다. 기억에 남는 게 20년이 넘은 <아나콘다> 정도일까?

그런 그녀가 지난해 <세컨드 액트>로 죽지 않은 흥행파워를 선보이며 다시금 부활의 날갯짓을 시전하고는, 올해 <허슬러>라는 작품으로 본인 커리어 최초의 북미 1억 달러 돌파의 역사를 쓰는 동시에 커리어 최고의 연기를 선보이기도 했다. 수많은 영화들로 골든라즈베리 시상식 단골손님이었던 그녀가 자그만치 골든글러브 여우조연상 후보에 오른 것이다. 

도대체 어떤 영화이기에, 도대체 제니퍼 로페즈가 어떤 연기를 펼쳤기에, 접하지 않을 도리가 없는 영화 <허슬러>. 케이퍼 무비의 형식을 한껏 빌려온 여성영화로, 작년 개봉해 흥행에 성공했던 여성 중심의 케이퍼 무비 <오션스 8>이 연상된다. <허슬러>는 스트립 댄서들을 주인공으로 내세워 월스트리트 증권맨들을 대상으로 범죄를 저지른다는 점이 흥미를 끄는 한편, 제니퍼 로페즈 한 명으로 시선을 쏠리게 하여 성공했다. 

스트립 댄서들의 합당한 범죄 

2007년, 스트립 클럽 바 초보 댄서 동양인 데스티니는 돈 벌기가 쉽지 않다. 어영부영하는 와중 최고의 인기를 구가하는 맏언니 격의 라모나 무대를 목격한다. 온몸을 던지는 화려하고 파워풀한 퍼포먼스와 섹시한 도발이 일품인 무대에 수많은 손님들의 돈이 쏟아진다. 데스티니는 라모나에게 가서 도움을 요청하고 라모나는 데스티니를 가르쳐 자신의 후계자 격으로 키운다. 그들은 의자매라고 해도 과언이 아닌 사이가 된다. 

환상적인 나날들이 계속 되다가 2008년 어느 날 공황이 찾아온다. 미국 발 세계 경제 공황말이다. 월 스트리트 직원 반 이상이 잘리고, 그들을 주요 고객들로 맞았던 스트립 바도 거의 문을 닫기 직전까지 몰린다. 하필 그때 임신을 한 데스티니는 스트립 댄서를 그만 두고 홀로 아이를 키우며 마트 취직이라도 하려 하지만 쉽지 않다. 결국 다시 스트립 바로 돌아가 라모나와 재회한다. 

라모나는 이전의 방식으로는 돈을 많이 벌 수 없을 게 확실하다는 판단 하에 새로운 시도를 이어간다. 돈 많은 증권맨을 물색해 집단으로 미인계를 이용해 돈을 갈취하는 것이었다. 분명 중범죄에 해당하는 사항이었지만, 하룻밤 같이 잘 놀았다는 한 마디면 뒤를 잡힐 리 없는 완벽한 수법이었다. 그들은 다시 한 번 인생의 전성기를 구가하는데... 과연 언제까지 계속될 수 있을까?

한 명의 여성이자 인간으로 살아가고 싶을 뿐

영화 <허슬러>의 주요 요소는 '재미'겠다. 범죄를 구상하고 실행에 옮기는 과정에서 오는 쾌락이 담당한다. 범죄는 옳지 않은 짓이지만, 대상이 더 옳지 않다고 한다면 쾌감은 증폭한다. 이 영화의 범죄 대상은 다름 아닌 미국 발 세계 경제 공황의 주범이라 할 만한 월 스트리트 증권맨들이다. 하지만 이런 류의 영화들은 그동안 수없이 나왔으므로 무언가 다른 게 필요하다. 

하여, 주인공들을 색다르게 꾸몄다. 영화는 주지한 데스티니와 라모나를 포함 4명의 여성 스트립 댄서를 메인으로 내세웠는데, 라모나를 제외하곤 나머지 모두 그다지 성공적이지 못하다. 즉, 삶 자체가 고역인 이들이라는 말이다. 어쩌다 보니, 어쩔 수 없게, 스트립 댄서로 흘러들어 왔지만 잘 해내기가 힘들다. 밑바닥이라 할 만한 직업조차 제대로 해내지 못하는 운명의 소용돌이 앞에 어찌할 바를 모르는 그들이다. 

영화는 자연스레 전체적으로 육체적인 섹시를 내세운다. 스트립 댄서라는 주인공들의 직업에서 기인하는 것일 테다. 하지만 한 발자국 더 안으로 들어가보면 측은함이 밀려온다. 그들은 결코 그 직업을 원한 게 아니다. 결코 자신의 몸으로 돈을 벌고자 한 게 아닌 것이다. 또 한 번 더 들어가면 평범함이 보인다. 그들 모두 스트립 댄서 아닌 한 명의 여성으로서 인간으로서 살아가고 싶을 뿐이다. 

맹점을 찌른 것에 방점을 찍는다면, 충분한 미덕

영화 구성이 평범하지만은 않은데, 꽤 많은 시간이 흐른 뒤 데스티니가 기자와 인터뷰를 가지며 옛날을 회상하는 형식이다. 범죄를 저지를 정도로 비루한 삶을 살았을 그녀이지만 괜찮게 살아가고 있는 것 같아 보이는 한편 라모나를 비롯 그때 그녀들과는 더 이상 연락을 하지 않는 것으로 보인다. 하여, 포커스가 힘들고 불안했지만 좋았던 그 시절을 돌아보고 있는 것이리라. 

좋았던 그 시절엔 4명의 여성을 필두로 클럽에 소속된 여성들 모두가 함께 즐겼다. 물론 범죄도 공모했지만. 영화는 그 모습을 연대의 형식으로 비춘다. 힘 없는 여성들이 모여 힘 있는 남성들을 제압하기 위해선 그런 방법밖에 없다고, 남성들은 그 자리에 오르기까지 훨씬 더 파렴치하고 말 못할 정도로 악랄한 짓을 서슴 없이 저질러 왔을 거라고, 그러니 비슷하게 잘못한 만큼 비슷하게 누려봐야 하는 게 아니겠냐고 말하고 있다.

영화가 말하고자 하는 목적과 그 수단으로 행한 짓을 전적으로 받아들일 순 없겠지만, 세상을 말아먹었음에도 여전히 호위호식하는 이들이 여전히 존재한다는 사실은 전적으로 받아들일 수밖에 없다. 그런 점에서 <허슬러>는 두 팔 벌려 환영할 순 없겠지만 맹점을 찌른 건 분명하다. 거기에 방점을 찍는다면, 그 하나로 이 영화의 미덕은 충분히 발휘될 수 있으리라 생각한다. 

[신작 리뷰] <영하의 바람>

영화 <영하의 바람> 포스터. ⓒ영화사 진진

12세 소녀 영하, 엄마 은숙이 집에 새 남자를 들이며 버림 받아 친아빠한테로 보내진다. 하지만 친아빠가 은숙의 돈을 빼돌려 도망가 버리자 영하는 다시 한 번 버려진다. 오갈 데 없어진 영하는 영하로 떨어진 겨울의 모진 추위 속에서 하염없이 떨며, 오지 않을 수도 있는 엄마가 올 때까지 기다리는 수밖에 없다. 영하는 태어난 죄밖에 없다. 

15세 소녀 영하, 엄마 은숙과 결혼하진 않은 새아빠 영진과 함께 산다. 그녀에겐 오랜 절친이자 외가 사촌 미진이 있다. 하지만, 뚱뚱해서일까 미진은 친구들과 잘 어울리지 못한다. 평범한 학교 생활을 보내는 영하는 학교 밖에서는 미진과 잘 지내고 학교 안에서는 멀리서나마 미진을 챙긴다. 어느 날, 미진의 유일한 보호자였던 할머니가 세상을 떠난다. 그러며 미진은 친가 친척의 손에 맡겨지며 떠나게 되고 영하와 헤어진다. 

19세 소녀 영하, 별 다를 것 없는 생활을 영위하고 있지만 절친 미진이 떠나고 홀로 남겨진 느낌이 진하게 든다. 그런 와중, 가족을 뒤흔드는 사건이 터진다. 영진이 술을 진탕 먹고 영하에게 몹쓸 짓을 한 것이다. 무슨 일이 있어도 목사 안수를 받고자 하는 은숙은 남편이 없으면 안 되는 상황에서 난감하고, 영진은 뭐라 할 말이 없는 처지이지만 집이 자신의 것이며, 영하는 영진과 절대 한 집에서 살 수 없는 한편 은숙에게도 기가 막힌 실망감을 받는다. 영하는 어떻게 해야 할까. 

2019년 한국 독립영화계 흥행 홍수의 이면

영화 <영하의 바람>은 지난 10여 년간 여러 단편 영화들 연출, 각본, 편집을 도맡아 하며 평단에게서 좋은 평가를 받아온 김유리 감독의 장편 데뷔작이다. 시나리오 선에서 한국영상위원회, 부산영상위원회, 부산국제영화제 ACF 지원을 받아 탄탄한 작품성을 내보였고, 개봉 전 부산국제영화제와 브졸국제아시아영화제의 주요 수상작 목록에 이름을 올리며 화제를 뿌렸다. 

2019년은 유례없는 한국 독립영화 흥행 홍수였다. <벌새>를 필두로, <우리집> <메기> <윤희에게> 등이 최소 4만여 명에서 최대 15만여 명의 관객을 불러모았다. 비상업적 외투를 쓴 <기생충>을 향한 무한대의 관심과 기록적 흥행에서 촉발된 독립적 작품성에의 바람이 만들어낸 현상이라 하겠다. 하지만 빛이 있으면 어둠이 있는 법, 독립영화계 안에서의 빈익빈 부익부가 심해졌다. 

그건, 그 어느 때보다 독립영화들의 수준이 높아진 데에 비해 그만큼의 수익이 따라주지 않았기 때문이기도 하겠다. 매우 좋은 작품성을 지니기도 했거니와 최소한의 화제를 뿌렸지만, 채 3000명도 들지 않은 <영하의 바람>도 어둠의 영역에 해당한다 하겠다. 하지만 이 영화는 그냥 지나칠 수 없다. 다뤄져야 하고 회자되어 마땅하다. 

성장과 가족

<영하의 바람>은 성장영화이면서 가족영화이면서 여성영화이다. 중의적인 의미를 지니는 제목 '영하의 바람'은 주인공 영화의 바람이기도 하지만, 영하의 온도에서 불어닥치는 바람을 헤처나갈 수밖에 없는 영하와 미진의 모습을 말하기도 한다. 그들의 바람은 다른 게 아니다. 가족과 함께 살고 싶고, 친구와 떨어지기 싫은 것뿐이다. 그조차 하기가 힘든 게 현실이지만. 

성장영화라고 지칭했지만, 이 영화에서 성장은 참으로 고독하고 고약하다. 이렇게까지 성장을 해야만 하는 걸까 하고 고개를 젓기도 하고, 성장이라는 게 이런 것일까 하고 고개를 갸우뚱하기도 한다. 보는 입장에서조차 차라리 성장하며 앞으로 나아가는 걸 포기하고 싶은 심정이다. 김광석의 노래 '너무 아픈 사랑은 사랑이 아니었음을'에 빛대어 '너무 아픈 성장은 성장이 아니었음을'이라고 말하고 싶다. 

연장선상에서 가족영화라고 칭했지만, 이 영화에서 가족은 참으로 지독하고 처절하다. 영하와 미진 입장에서 가족은 비록 혈연으로 이어져 있지만 믿을 사람 하나 없는 황량하기만 한 무통지대라고 생각되고, 은숙의 입장에서 모든 걸 걸고 다시 만든 가족이 허무하게 무너져 내리는 과정을 처참하게 목격한다. 그런 와중에 가족 내 구성원들 모두가 서로 반목한다. 

여성영화라는 타이틀

이제 남은 건 여성영화라는 타이틀, 그렇다, 이 영화는 정확히 여성영화이다. 단순히 영하와 미진의 주요 두 캐릭터에 뒤이은 은숙이라는 캐릭터가 영화를 이끌어가는 가장 큰 산들인 반면 영진이라는 캐릭터는 문제의 근원으로 작용할 뿐 그 자체로 큰 비중을 차지 하지 않는 상황에서 빛어진 결과를 보고 붙인 타이틀은 아니다. 

그렇다고 해서, 권위적이고 악착같은 은숙이 가장 역할을 하며 가족을 이끌고 무능하기 짝이 없는 영진이 집 하나만 믿고 있는 것인지 아무 일도 하지 않으며 은숙의 말만 따르는 모습을 가지고 그렇게 생각하는 것도 아니다. 결정적으로, 영하와 미진이 비가 오나 눈이 오나 바람이 부나 언제 어디서나 서로를 생각하고 서로에게 의지하는 모습에서 '여성영화'를 발견한 것이다. 그들의 작고 연약하지만 끈끈한 연대 말이다. 

연대는 작을 수록 약할 수록 서로를 지탱하며 빛을 발해야 하지만, 현실은 정반대로 아주 쉽게 흩어져 버리기 일쑤이다. 사람이란 힘들 때 가장 먼저 자기 자신을 생각할 수밖에 없는 게 아닌가. 하여, 이 영화에서 영하와 미진의 연결과 연대는 위대해 보였다. 그들 간의 끈은 약해지고 휠지언정 끊어지지 않을 거라 확신하게 되었다. 그것 하나만으로도 <영하의 바람>의 가치는 충분하고도 넘친다. 

[신작 영화] <크롤>

영화 <크롤> 포스터. ⓒ롯데엔터테인먼트

어릴 때 수영을 시작해 꾸준히 선수생활을 하고 있는 헤일리, 최고의 위치에는 살짝 모자라지만 코치였던 아빠의 말마따나 '최상위 포식자'로서의 자부심을 잃지 않고 있다. 그날도 연습을 끝내고 집으로 향하려는데 언니한테서 전화가 걸려온다. 무시무시한 허리케인이 오는데, 아빠가 평소완 다르게 연락이 안 된다는 것이다. 헤일리는 허리케인이 향하는 아빠 집으로 향한다. 

헤일리의 아빠 데이브는 아내와 합의이혼을 한 후 혼자 살고 있었는데, 막상 집에 가보니 강아지만 있고 데이브는 보이지 않는다. 뭔가 으스스하고 께름칙한 느낌이 들어, 강아지와 함께 옛날 집으로 향한다. 데이브가 이혼 후 다른 사람한테 기탁해놨다고 했지만, 혹시 모르는 게 아닌가. 정작 가보니, 데이브의 트럭이 주차되어 있었다. 하지만 데이브는 보이지 않는다. 지하실로 향하는 헤일리, 그곳에 데이브가 기절해 있다. 

데이브를 구해선 위로 가려는 찰나, 믿을 수 없게도 초대형 악어가 등장해선 헤일리를 위협한다. 알고 보니 데이브도 악어한테 물려 부상을 당했던 것. 헤일리도 다리에 부상을 당하지만 가까스로 악어를 물리친다. 하지만 그들은 지하실에 꼼짝없이 갖힌 신세가 되고 말았다. 더군다나 역시 믿을 수 없이 초대형인 허리케인이 본격적으로 강타하기 시작해 집안으로 물이 차오르기 시작한다. 악어의 위협을 무릎쓰고 밖으로 나갈 수밖에 없는 상황, 문제는 물바다가 된 밖이야말로 악어 세상... 안에는 초대형 악어, 밖에는 초대형 허리케인, 어떻게 위기를 헤쳐나갈 것인가?

올해 최고의 재난 공포 영화

영화 <크롤>은 북미에서 지난 7월에 개봉한 재난 공포 장르로, 5개월 가까이 지나 한국에 상륙했다. 입소문으로 일종의 '강제개봉'된 형태인데, 최근 몇 년새 공포영화에서 종종 나오는 공식이다. 여전히 높은 로튼 토마토 점수(12월 2일 현재 83점)를 기록 중이며, <인디와이어>가 '올해 최고의 작품' 리스트에 이 영화를 올렸고, 쿠엔틴 타란티노 감독이 "올해 내가 가장 좋아하는 영화는 <크롤>"이라며 기대를 증폭시켰다. 

'재난 공포' 장르라는 면을 부각시켜 보자면, 재난엔 초대형 허리케인이 공포엔 초대형 악어가 자리하고 있다. 미국 플로리다엔 실제로 믿을 수 없는 허리케인이 자주 휩쓸고 지나가는데, 영화는 지난 2009년 미국 남동부에 큰 피해를 준 허리케인 플로렌스 당시 홍수에 겹쳐 주거 지역에 거대한 악어들이 출몰한 실화에서 영감을 받았다고 한다. 

필모만 훑어도 알 수 있는 '공포 전문 감독' 알렉산드르 아야와 '공포 전문 제작자' 샘 레이미의 최신작으로, 영드 <스킨스> 시리즈와 영화 <메이즈 러너> 시리즈로 유명한 카야 스코델라리오가 히로인 헤일리로 분했다. 재난과 공포라는 헤아리기 힘든 극한이 공존하는 상황을 장르적 쾌감으로 어떻게 풀어냈을지 기대하지 않을 수 없다. 결론부터 말하자면, 참으로 깔끔하게 재밌었다. 

최소의 배우와 배경, 최악의 허리케인과 악어 떼

영화에서 재미없는 요소를 찾기보다 재미있는 요소를 찾기가 쉬웠다. 다만, 재난 공포 장르를 생각했을 때 떠오르는 초대형 블록버스터 느낌이 아니라는 점이 누군가에겐 실망으로 다가올지도 모르겠다. 하지만 대다수에겐 바로 그 점이 실망 아닌 궁극적 재미로 다가올 것이다. 그렇다, <크롤>은 최소의 배우와 최소의 배경만을 제공할 뿐이다. 

하여, 영화가 주요 대상으로 하며 주인공이 헤쳐나가야 할 주요 대상은 재난의 허리케인이 아닌 공포의 악어이다. 그것도 어엿한 집의 지하실에 침범한 악어 말이다. 아이러니하게도, 주인공은 악어에게 도망치는 게 아니라 악어를 피해 물바다가 되어 가는 자신의 집에서 탈출해야 한다. 사면초가, 설상가상이다. 흥미로운 설정부터 반은 먹고 들어가는 영화가 아닐 수 없다. 

공포 장르가 축소화된 건 꽤 되었다. 축소되는 대신 내밀해지고 세밀해졌다. 비록 공포이지만 공감의 영역대가 넓어졌다. 한편, 재난 장르는 영화 자체가 사라졌다시피 했다. 공포 장르처럼 축소화시키기가 힘든 것이다. 이 영화는 공포에 재난을 가미시키는 영리함으로 식상함을 탈피하고 새로운 재미를 불어넣었다. 앞으로의 하이브리드 장르 또는 장르 융합이 기대된다. 

시간을 재밌게 보내는 방법

영화가 성공을 약속한 듯 보이는 건, 익숙함이 새로움을 받쳐주기 때문이다. 당연한 듯 등장하는 복선들과 제 발로 걸어들어가는 위기에의 길과 충실히 따르는 서사와 못난 캐릭터들 간의 관계 회복으로 인한 성장까지, 짧은 러닝타임 동안 이 모든 걸 이질감 없이 표 나지 않게 드러낸다. 수십 년간 만들어 온 할리우드 재난과 공포 장르 공식을 충실히 따르되, 양념을 맛있게 친 것이다. 

상업영화에 있어 새로움만을 추구하는 건 있을 수 없는 일이다. 기존의 공식을 따르되, 새로움에서 비롯된 흥미 자극 요소를 적재적소에 얼마나 잘 넣는지가 중요한 것이리라. 또 하나 중요한 건, 현실감이다. 재난과 공포라는 게 흔히 있는 일을 바탕으로 할 수 없겠지만, 현실에서 일어날 법하다는 메시지 전달이 중요하다. 시간을 죽이는 영화가 아니라, 시간을 재밌게 보내는 영화라고 할 수 있겠다. 

[신작 영화] <위!>

영화 <위!> 포스터. ⓒ미로스페이스

벨랑겐동크 스캔들이라 불리는 논란의 재판이 열리는 재판장, 청년 한 명이 증인으로 나와 선서를 하고 있다. 이내 '시몬'이라는 이름의 파트가 시작된다. 벨기에와 네덜란드 국경의 작은 동네, 남자 4과 여자 4으로 구성된 십대들이 함께 아무도 찾지 않는 아지트를 꾸리곤 돈 벌 구상을 한다. 그들의 구상은 다름 아닌 포르노 사이트, 가면을 쓰고 직접 포르노를 찍는다.

두 번째 파트는 '루스', 시몬처럼 역시 8명의 십대 중 한 명이다. 그녀는 지루하기 짝이 없고 정형화되어 있는 세상과 삶에 반기를 들고자 했다. 어김없이 친구들과 야하게 놀다가, 펜케라는 여자친구가 죽고 만다. 때문에 일행에 여자는 루스만 남게 되는데, 그들은 그 자리를 다른 십대 여자들로 채울 뿐이다.

'리즐'이라는 이름의 세 번째 파트, 이야기는 보다 심도 깊어진다. 그들은 돈 버는 방법으로 성매매를 일상적으로 생각했다. 펜케의 죽음이 그들과 관련이 있다는 암시를 주고, 그들 때문에 최악의 참사가 벌어졌다는 사실도 밝혀진다. 한편, 리즐은 사진예술가를 꿈꾸고 DJ가 되고 싶었지만 너무 멀리 와 있는 게 아닌가 싶은 자신의 모습을 발견한다.

논란의 재판에 증인으로 나온 '토마스'의 이야기가 마지막이다. 그의 증언과 정반대로 흘러가는 실제 이야기가 가히 충격적인데, 그들은 직접 성매매를 하는 건 물론 성매매 포주가 되는 것도 모자라 협박, 갈취, 폭력, 조작 등의 용서받지 못할 범죄를 저질렀던 것이다. 그 중심에 단연 토마스가 있었다. 그는 남 부러울 것 없는 중산층 이상의 집 막내이다.

십대의 범죄행각에 던지는 문제의식

<위!>는 접하기 쉽지 않은 네덜란드 영화로, 8명 십대의 범죄행각 실화를 바탕으로 한 문제작이다. 우리나라엔 공식적으로 두 차례 소개된 바 있는데, 지난해 제23회 부산국제영화제에서 선보이며 르네 엘러 감독이 내한했었고 이번 여름엔 CGV아트하우스에서 'Cinema Adult Vacation' 기획전을 열어 선보였다. 내용이 내용인 만큼 반향을 불러일으켰다.

영화는 'We!(Wij)'라는 제목에서 유추할 수 있는 바 다분히 십대들의 입장에서 그려진다. 그들은 '우리'라는 그들만의 울타리 안 세상을 꿈꿨고 그들 나름으론 성공했다고 생각한 것 같다. 아무도 찾지 않는 아지트에서, 어른들에게 구속받지 않고 자유롭게, 하고 싶은 '짓'을 다 했기 때문이다. 문제는, 성적 호기심을 적나라하게 채우는 데에서 끝나지 않고 범죄로까지 이어졌다는 데 있다.

'누구나'라고 할 순 없겠지만 십대 때의 치기 어린 행동은 용인이 가능할 것이다. 나아가 '악랄한' 범죄라고 치부하기 어려운 짓을 하는 것도 용서못할 건 아니다. 하지만, 남에게 일정 이상의 형용할 수 없는 피해를 주고 인생을 파탄에 이르게 하는 범죄 행위는 용납하기 힘들다. 아무리 '아무것도 모르는' 십대의 호기심에서 시작된 행위라고 해도 말이다. 영화는 거기에 문제의식을 던진다.

설명 불가능한 선천적 악마 기질

영화의 문제의식은 '시몬' '루스' '리즐' '토마스'의 네 주인공의 이야기를 따라 논란에 이르고 급격히 커진다. 처음엔 '그럴 수도 있겠다' 싶다가 마지막엔 '용서할 수 없겠다'로 바뀌는 것이다. 그들이 그렇게 행동할 어떤 이유도 발견할 수 없었던 게 크게 작용했다. 감독의 의도였을지 모르나, 종종 비추는 십대들의 세상을 향한 반항적 생각 정도로는 이유가 되질 않는다. 가정이나 학교에서의 심각한 문제가 뒤따르지 않는 것이다.

고로, 영화를 보고 나면 십대들에게서 보이는 악마 같은 행동에 이유가 없을수도 있겠다는 생각을 하게 된다. 인간의 행동에 반드시 이유가 있는 건 아니라는 생각까지 나아간다. 설명이 가능한 환경적 경험에 의한 행동도 맞지만, 설명이 불가능한 선천적 기질에 의한 행동도 맞다고 말이다. 8명 중에서도 토마스가 주동자로 다른 이들과 비교할 수 없는 악랄한 짓을 일삼은 걸 보면, 설명할 수 없는 선천적 기질에 힘이 쏠린다.

그런가 하면, 영화의 큰 줄기에서 십대 아닌 어른이 저지른 짓도 중요하게 들여다봐야 한다. 토마스 이하 8명의 십대들이 저지른 범죄행각의 대상이 다름 아닌 어른이기 때문이다. 즉, 성매매의 대상이자 그를 빌미로 하는 협박과 갈취와 폭력의 대상 역시 모두 어른이기 때문이다. 손뼉도 마주쳐야 소리가 나는 법, 그들의 범죄에 어른이 넘어가지 않았다면 행각이 성립되지 않았다. 그들의 범죄에 어른이 자유로울 수 없는 이유다.

인상적인 OST와 색감과 구성

르네 엘러 감독은 이 작품이 영화 연출 데뷔작이라고 한다. 하지만 관련 업종에선 30년 가까운 경력을 자랑하는데, 1987년부터 의상 제작을 시작했고, 1990년부터 뮤직비디오와 광고 연출로 명성을 떨쳤다. 하여, <위!>는 충격적이기 짝이 없는 내용과 완전히 반비례하는 환상적인 OST와 색감 어린 장면이 인상적이다. 참으로 어이없고 황당한 아이러니를 대변하는 몇몇 장면만 보고 있으면, 네덜란드와 벨기에 국경의 그곳을 당장 가보고 싶어지는 것이다.

보면 알겠지만, 네 개의 파트를 나누는 시작 장면도 굉장히 인상적이다. 네온 불빛 간판 모양으로 이름을 붙였는데, 세련되기 이를 데 없어 OST와 색감의 장점을 훌륭하게 흡수해 위화감 없이 조화를 이룬다. 파트 시작 장면과 색감 어린 장면들과 모든 OST만 따로 떼어내 보관해두고 싶을 정도다. 르네 엘러 감독의 차기작은 얼마나 세련되고 환상적일까 기대되는 이유다. 누구라도 동의할 것이다.

한편, 독특한 영화 구성도 인상적이다. 구로사와 아키라의 1950년 영화 <라쇼몽>이 생각나게 하는, 같은 사건이지만 회상하는 이에 따라 전혀 다른 분위기와 색채와 기조를 띄는 구조. 뒤로 갈수록 판이 점진적으로 커지고 심적으로 와 닿는 감정의 게이지도 커지는 방법론이 근사하다. 두 번 다시 보기 싫은 이유와 계속 돌려보고 싶은 이유가 정확히 50 대 50으로 공존하는 영화로, 머릿속에 오랫동안 남아 있을 듯하다.